【金莎娱乐】蔡锦是中国九十年代以来很具代表

(原标题:蔡锦)

  《蔡锦:溯源》学术研讨会于2013年6月22日(周六) 15:30—17:30在北京市朝阳区草场地红一号D座 前波画廊开讲。讲座嘉宾有:高岭:艺术批评家、策展人;高名潞:艺术批评家及著名策展人;贾方舟:国家一级美术师,策展人及批评家;刘礼宾:中国美术批评家协会学术委员;刘骁纯:艺术家、美学家,历任《中国美术报》主编;陶咏白:美术研究所研究员;王端廷:艺术评论家,中国艺术研究院美术研究所外国美术研究室主任 ;徐虹:中国美术馆研究员;杨卫:艺术家、评论家,宋庄艺术促进会艺术总监;殷双喜:艺术评论家、策展人,中央美术学院《美术研究》副主编;朱其:艺术批评家、独立策展人。

  《蔡锦:溯源》学术研讨会于2013年6月22日(周六) 15:30—17:30在北京市朝阳区草场地红一号D座 前波画廊开讲。讲座嘉宾有:高岭:艺术批评家、策展人;高名潞:艺术批评家及著名策展人;贾方舟:国家一级美术师,策展人及批评家;刘礼宾:中国美术批评家协会学术委员;刘骁纯:艺术家、美学家,历任《中国美术报》主编;陶咏白:美术研究所研究员;王端廷:艺术评论家,中国艺术研究院美术研究所外国美术研究室主任 ;徐虹:中国美术馆研究员;杨卫:艺术家、评论家,宋庄艺术促进会艺术总监;殷双喜:艺术评论家、策展人,中央美术学院《美术研究》副主编;朱其:艺术批评家、独立策展人。

  《蔡锦:溯源》学术研讨会于2013年6月22日(周六) 15:30—17:30在北京市朝阳区草场地红一号D座 前波画廊开讲。讲座嘉宾有:高岭:艺术批评家、策展人;高名潞:艺术批评家及著名策展人;贾方舟:国家一级美术师,策展人及批评家;刘礼宾:中国美术批评家协会学术委员;刘骁纯:艺术家、美学家,历任《中国美术报》主编;陶咏白:美术研究所研究员;王端廷:艺术评论家,中国艺术研究院美术研究所外国美术研究室主任 ;徐虹:中国美术馆研究员;杨卫:艺术家、评论家,宋庄艺术促进会艺术总监;殷双喜:艺术评论家、策展人,中央美术学院《美术研究》副主编;朱其:艺术批评家、独立策展人。

美人焦134 135号 蔡锦 油画160X280cm 1997

  蔡锦简介:1965年生于安徽屯溪。1986年毕业于安徽师范大学美术系,同年,分配到铁道部第四工程局学校任美术教师。1991年毕业于中央美院第五届油画研修班,同年,被聘在天津美院师范系任教。1994年调入天津美院师范系。作品《小提琴》、《肖像》曾参加1991年北京“首届中国油画年展”(1992),巴黎“’24滨海卡涅国际艺术展”。主要作品还有《美人蕉》系列。蔡锦是中国九十年代以来很具代表性的女性艺术家。

  蔡锦简介:1965年生于安徽屯溪。1986年毕业于安徽师范大学美术系,同年,分配到铁道部第四工程局学校任美术教师。1991年毕业于中央美院第五届油画研修班,同年,被聘在天津美院师范系任教。1994年调入天津美院师范系。作品《小提琴》、《肖像》曾参加1991年北京“首届中国油画年展”(1992),巴黎“’24滨海卡涅国际艺术展”。主要作品还有《美人蕉》系列。蔡锦是中国九十年代以来很具代表性的女性艺术家。

  蔡锦简介:1965年生于安徽屯溪。1986年毕业于安徽师范大学美术系,同年,分配到铁道部第四工程局学校任美术教师。1991年毕业于中央美院第五届油画研修班,同年,被聘在天津美院师范系任教。1994年调入天津美院师范系。作品《小提琴》、《肖像》曾参加1991年北京“首届中国油画年展”(1992),巴黎“’24滨海卡涅国际艺术展”。主要作品还有《美人蕉》系列。蔡锦是中国九十年代以来很具代表性的女性艺术家。

蔡锦

  蔡锦绘画--一种新语言的转型

  女性的艺术

  蔡锦生命中内在的自我发觉

1965出生于安徽屯溪

  王端廷:从去年下半年到今年上半年我们举办了好几个女艺术家的个人展览和群展,开了好几次研讨会,就当代中国女艺术发展的历史及其成就做了比较充分的梳理和阐述。我在那些研讨会上我也分析过中国和西方女艺术发展历程的差异性和相似性,我今天就不再重复这些内容。

  贾方舟:我认识蔡锦是在上世纪90年代,1994年中国美术批评家提名展(油画部分)在讨论提名艺术家的时候,栗宪庭提出了蔡锦,之后她便是20多个被提名的油画家之一。后来,我在1995年和1998年策划的两个女性艺术展上,也都邀请了蔡锦参加。

  杨卫:我是90年代初知道蔡锦的,刚看到她的作品就感觉与很多艺术家不太一样,她作品中的自我发现,不是从外在经验得来的,而是源于内发性,是从身体的经验发散出来的感觉。这种自我发现和自我意识的觉醒,是90年代以来中国当代艺术的整体趋势,不管是男性艺术家还是女性艺术家。因为中国面临的问题与西方不太一样,要更复杂一些,无论是男人,还是女人,过去都是被束缚在意识形态的强权之下,所以,男人也一样在追求自我的解放。从85运动的文化宣言,到90年代以后的生命实践,我们可以梳理出一条很清晰的自我表现之路,无论是新生代艺术家,还是行为艺术的出现,都突显了这个特征。而90年代以后活跃的女性艺术,更是对此起到了推波助澜的作用,尤其是蔡锦这样的艺术家在这个过程中更显突出。我觉得她画的作品还不像喻红她们,喻红的画更偏重于新生代一些,就是画面更有时代的形象特征。但蔡锦却不同,她一开始就是从自己的生命经验出发,美人蕉只不过是她表达的一个载体而已,她并不是去描述美人蕉本身,而是想通过美人蕉这个载体表达身体的一种反应。这个自我表现与自我挖掘,已经成了90年代以来中国当代艺术最为突显的特征。在这个过程中,很多男性艺术家后来出现了一些变化,由开始对身体的发现,对自觉意识的呼唤,后来又逐渐转向了表现社会文化的大题材,大内容。这可能跟男性的特质有些关系吧。另外,90年代初的时代背景比较特殊,整个社会都很压抑、很灰暗,在那样的情境下,艺术家无法向外拓展,也就只好转向对内的反思,这也促成了90年中国当代艺术的自我表现。可是,后来随着环境的宽松,不少艺术家都不满足于自我的那块小天他了,纷纷走向了对外界、对更多文化和社会问题的关注。

1986毕业于安徽师范大学艺术系

  我这里只想谈一谈对蔡锦绘画的个人认识。我对蔡锦绘画的最初了解也是在1994年中国美术馆举办的中国油画批评家提名展上,那次蔡锦的绘画给我留下了非常深刻的印象,因为她画的是“美人蕉”,而且把美人蕉画得铺天盖地、极具视觉冲击力,从此蔡锦这个名字和她的绘画就铭刻在我的脑海里。今天我们看到的绘画,是她从“美人蕉”系列转型后的新作品。她的创作转到新的题材和新的语言,这表明蔡锦的绘画进入到了一个新的时期。

  陶咏白:蔡锦在中央美院进修的两年中,预示出多个发展方向,但是最后她选择画《美人蕉》。画美人蕉其实是借题发挥,借助于美人蕉这样的生命体以表达自我内心的一种生命体验,所以在这样的对象身上,投射了自己的影子,找到了适合于自己的表达方式,也找到了自己情感的载体,所以从这个领域里走过来,我们今天看到她的作品都可以跟她早期的作品联系在一起,因为她用的语言没有变,只是图式变了。变的抽象了。但这些作品很明显是在原有的美人蕉的细节上一步一步升发出来,最后离开美人蕉这一意象,保留她习惯使用的语言要素。蔡锦最近几年的新作显示出她在向新的高度突破,我想今天大家坐在一起讨论这些作品,都会找到各自的话题。

1991毕业于中央美术学院油画研修班

  20世纪70年代初,美国女艺术批评家琳达·洛克林发表过一篇文章《为什么没有伟大的女艺术家?》,引起了西方学术界对女性艺术家的极大关注。随着后现代主义思潮和女性主义运动的出现,到20世纪90年代,西方艺术界出现了一大批非常有成就、可以和男性艺术家分庭抗礼的女艺术家。其实,中国艺术史上也是在同一时期,亦即从蔡锦这一代艺术家出现以后,才开始出现杰出的女艺术家,包括蔡锦、喻虹、林天苗和向京在内一批50年代末60年代初出生,20世纪90年代走上艺术创造道路的女艺术家形成了群体的力量,带来了中国女性艺术的崛起,她们的创作使得女性艺术变成了中国当代艺术界难以回避的现象。蔡锦的“美人蕉”作品已经有了自己独特的艺术风格,这种风格既体现在语言上也包括她的绘画题材,因为在此之前尽管中国也有女艺术家,但是那些女艺术家没有找到女性特有的、跟男性不同的、独立和独特的表达方式和言说主题,蔡锦这一代女艺术家找到了。

  陶咏白:蔡锦是才女,在我国历史上绘画的才女不少,尤其是民国时期,出现一批出国留学以后回来的女画家,她们跟男性艺术家的艺术,在同一个水平上,有的甚至超过男生,比如潘玉良色彩,比男画家的色彩感觉好,在那个时期,油画色彩很贫乏,素描加色彩,缺少色彩感。而潘玉良对印象派的色彩把握得到位,色彩非常漂亮。当时留学归国的秦宣夫(油画家、美术史论家)对我说:潘玉良是中国“印象派第一人!”但因她曾为妓、为妾卑贱的身份,无法在国内生存,为了人的尊严,背井离乡,客死它乡。当时还有很多女艺术家,很有才华,但结婚生子后,杂务缠身,又由于经济的不独立,只能成为相夫教子的家庭妇女,就不再画画了。坚持下来的很稀少,真是可惜了。今天的蔡锦,经历了人生种种磨难,没有消沉,在艺术中消解了自已的哀伤,用艺术疗伤,在艺术上能日益精进,不断有新的面貌让人耳目一新,给人惊喜。从去年的黑色美人蕉以那雕塑样厚重和张力,那是对顽强的生命颂歌,给人留下深刻的印象。当人们还沉浸在那崇高的生命精神感动中时,今天她又让人从她画的一滴水渍、一粒尘埃的微观世界,引向浩瀚无垠的宇宙,望星空,向海洋,放眼世界,投身于宇宙怀抱中而获得“生命不息”一种感奋。蔡锦终于走出了生命中的阴影,坚持不懈地创造着生命的奇迹。

1991至今 天津美术学院师范系任教

作品《小提琴》、《肖像》曾参加1991年北京“首届中国油画年展”(1992),巴黎“’24滨海卡涅国际艺术展”。主要作品还有《美人蕉》系列。蔡锦是中国九十年代以来很具代表性的女性艺术家。

高名潞评蔡锦:

我与蔡锦接触不少,但是很少听她夸夸其谈。她寥寥数语的谈话和笔记大多讲她对枯萎的美人蕉、对家乡老屋的窗格子、对水痕及红色腥味的感觉。这种感觉是一种无法捕捉的诡秘。

凡生命的东西,必定诡秘。诡秘在于我们无法从表面现象去把握它们的内在实质,或者说,所谓的本质总是处在转化之中。比如生与死。蔡锦恰恰在美人蕉的死寂中看到了生命的血液在流淌。生是偶然的,所以,‘生’把活力放在了表面之上,而死是必然的,所以,‘死’把永恒隐藏在黑暗的深处。雨水逝去,才留下了永久的屋痕。所以,古人把书法运笔的高境界叫做‘屋漏痕’。

蔡锦的画就象‘屋漏痕’,她极力捕捉那种诡秘,以至于对五光十色的诱人现实毫无兴趣。她把精力倾注在那些不为人们关注的、但是能够让她激动的孤寂无助的题材之中。在蔡锦的形象中,腐烂是活物的载体,血腥是娇美的纤维。成与毁、生与死、大与小永远是处于转化、互相依存之中。

蔡锦笔下的人体、水果、小提琴和美人蕉,在我看来,是用画笔在‘格物’,格物就是‘平等进物’,与物对话。庄子的‘齐物’和宋人的‘格物’其实都是一个道理,要想了解万物,必须平等待物,走进万物。现代社会中,艺术已经变成人类中心论和实用论的代言。在很多人眼里,物只是载体,它们被动地表达人的精神意念。说好听叫‘象征’,象征其实是对物的贬低和对人的赞美。但是,蔡锦不这样认为。蔡锦把她对水、树、屋、花的那种惺惺相惜的感觉,一笔笔倾注到画面之中。她沉浸在“一种神经牵引着,好像完成一张作业(的状态)之中”。

金莎娱乐,蔡锦作品的意义,就在于这种见微知著。‘天下莫大于秋毫之末,而泰山为小’。题材的不足道,恰恰折射了深刻的人性以及任何生命意义的外延。齐物和格物,其实最终仍然是艺术家自我的修行之道。就像蔡锦所说,她并不认为自己在做着什么了不起的事,只是象在绣花或者编织一件毛衣。有人把它看作中国女性艺术家的特质,虽然不无道理,但是我更倾向于把它看作人性中类似‘极多主义’那样的日常境界。蔡锦作画的过程也‘始于微’,从一个细节自然延展,任其自然。而不是先构思布局,做好大框架,而后填充局部。见微知著的哲学就是日常的哲学,佛家叫‘事事无碍’。有了语言的‘事事无碍’也就有了作品的‘意在言外’。

蔡锦20多年‘无心插柳’的绘画实践却带给我们丰富的语义联想。恐怖的红色让我们想到了疯狂的红色年代;纠缠不休的形色让我们联想到心理自虐或者性的纠结;布满画面的肉红加上玫瑰底色的条样体积让人们联想到发霉的腐物,可能隐喻某些当下社会和人性问题。如此,不一而足。所有这些都说明了蔡锦艺术语言的单纯性反而生产出无限的多义性。我阅读了过去二十多年所发表的有关蔡锦艺术的诸多评论,尽管每个人的评论角度和风格不一样,有的概括艺术历程,有的只是细腻地分析某种创作心理,但这每一篇评论都认真地娓娓道来,非常精彩,且令人信服。众多重要批论家评论一位艺术家,且都能这样细腻到位,在中国当代艺术家中实不多见。反倒是蔡锦自己,显得孤陋寡言。这种生产者和接受者之间的话语反差,反倒衬托了蔡锦艺术语言的魅力所在。

蔡锦是中国女性艺术家的杰出代表。然而蔡锦的艺术魅力以及它带给我们的启示已经超越了中国女性艺术或者女性艺术的分类。更重要的是,在岁月流逝中,蔡锦已经不经意地把自己、艺术、教学和生活融为一体。蔡锦是独立、真诚、低调和愿意无私奉献的艺术家。她的教学热情在天津美院以及中国艺术界中被广为称赞。蔡锦真诚地做她自己,惟其尊重自己,她的艺术才是真诚的,也才能最终修成当代艺术的正果。

人民网-文化产业频道供图

美人蕉338蔡锦210X110cm 2011年作
《Banana 284》蔡锦2007年作
蔡锦

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