艺术家解安宁先生在创作现场写真,崔振宽先生

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地球美术视线——艺术家个案研究:

崔振宽

要画自己的、时代的,而不是古人的或外国的画,才是有意义和有价值的。

崔振宽在展览开幕式上2015年5月21日,由中国美术家协会、中国国家画院、中国美术馆、中国画学会主办的《苍山无言崔振宽画展》在北京中国美术馆拉开帷幕,这是本年度中国美术馆为在世艺术家所举办的最大规模个人作品展。崔振宽,陕西长安人,1935年生于西安,1960年毕业于西安美术学院国画系,国家一级美术师。现为中国国家画院研究员、中国美术家协会会员、陕西省美术家协会顾问、西安美术学院客座教授、陕西国画院画家。作为当代中国山水画领军人物之一,崔振宽先生今年80岁,深耕中国山水画62年。改革开放至今,在中国社会现代化进程和西方现代艺术思想的强烈冲击中,崔振宽始终植根于中国书画艺术传统。和绝大多数书画家不同的是,崔振宽先生在不断感受当代生活与文化心理变化的同时,潜心研究传统书画最核心的形式语言,即笔墨表达系统,顽强探寻其现代转型的具体可能性和个人连接点。从黄宾虹沿皴作点的独特创造到崔振宽以点为皴的成功探索,画家不仅实现了从传统笔墨集体系统到现代艺术个人性的转换,而且从写生、写意到写形,将中国绘画的书写性推进到一个新的高度,在画面的空间表现中重获书写自由不是以书作画的趣味性,而是以画当书的表现力。崔振宽之作不同于难脱文人画窠臼的写意表现和延伸西方表现主义的张力表现,也不同于八十年代以来实验水墨所演绎的形式抽象和材料抽象。其创作倾向以解析性和极致化的笔墨个性,揭示出当代文化氛围中人类视觉心理的深层变化和中国人对于自然山水审美关系的深刻改变。62载艺术人生,崔振宽探索了从中国绘画,特别是文人书画传统的内部向现当代艺术推进的艰难道路,并取得了重要成果,成为在世山水画家中走在汲古润今道路上最突出的艺术家之一。评论界认为,在20世纪的中国水墨画坛,有徐悲鸿与蒋兆和系统、 林风眠与吴冠中系统、吴昌硕与齐白石系统,以及黄宾虹与崔振宽系统。故而梳理崔振宽的创作脉络,研究他六十多年来的艺术跋涉之路,有着超出他个人的,甚至是超出中国画领域的更为广远的学术价值。其艺术成就已然树立起一座属于他自己,也属于中国美术的历史丰碑。学术研讨会崔振宽的艺术历程大体可以分为三个阶段:青年美术干部阶段,问道长安画派阶段,以焦墨切入黄宾虹课题阶段。第三阶段标志着崔振宽的艺术取得了自己的独立地位。本次展览在中国美术馆1、6、8、9号厅展出,是崔振宽62载创作历程的一次总阅。1号厅以崔振宽先生2014年焦墨精品《秦岭大壑图》和6幅八尺焦墨力作组成,是崔振宽近年焦墨艺术的代表。6号厅主题为笔墨之变,分问道长安画派、钟情西部、气象苍莽三个部分,突出崔振宽的笔墨探索过程,特别注重呈现他在三个阶段的艺术历程的内在逻辑与外在表现。8号厅的主题为水墨生涯,是崔振宽水墨画创作与研习的集中体现。作品展现了其鲜明的个人面貌,完成了从形象的再现性描绘转向笔墨的精神性拓展。9号厅主题为焦墨意象,主要展示崔振宽近年来的焦墨作品,包含《洛南系列》《巴山秋韵系列》、《2009焦墨系列》、《终南山上系列》、《农家乐系列》。焦墨秦岭大壑图 2014年同时,本次展览还展出崔振宽先生的历年出版物、重要手稿、记录崔振宽艺术观的文字性稿件、来往谈艺信件等。此外,由著名评论家刘骁纯担任总主编,著名评论家薛永年、贾方舟、皮道坚、殷双喜、王鲁湘、尚辉、夏可君、杭春晓主编七卷本《崔振宽画集》及人民美术出版社发行的《中国近现代名家崔振宽》已付梓出版。其中收录了崔振宽自1959年至今的画作共计700余幅,从丈八之巨到方寸之微,是画家历年参展、发表、学术机构收藏及自存作品中的优选之作,全面展示了崔振宽六十二年的创作历程,见证了崔振宽为中国山水画的现代转型付出的努力,也验证了黄宾虹崔振宽系统之建构的学理性所由。人们可以借此对崔振宽62年的创作生涯及其艺术成就得以全面了解。水墨夏山图 2013年展览5月21日开展,23日上午10:00时举行开幕仪式,并于当天下午13:30举办展览学术研讨会,届时来自全国各地的美学家、美术评论家、策展人将就主题为从黄宾虹到崔振宽中国画的现代转型与历史意义进行深入研讨。展览6月1日结束。北京展览结束后,将于2015年内在西安举办同名巡回展。

解安寧,長安畫派的傳承人

崔振宽,陕西长安人,1935年生于西安,1960年毕业于西安美术学院国画系,现为中国国家画院研究员、中国美术家协会会员、陕西省美术家协会顾问、西安美术学院客座教授、陕西国画院画家、国家一级美术师。

崔振宽

编辑:赵成帅

·海外艺术家 李剑华

崔振宽的焦墨山水作品能在黄宾虹原有的基础上向前迈进了一大步,着实难能可贵。在学术方面,除了皮道坚老师在此前座谈中曾将崔振宽的焦墨山水归为中国当代思想史中的画学个案之外,更多的名家对崔老先生学术上的认可亦是数不胜数。

画家崔振宽与学者王鲁湘交谈

图:艺术家解安宁写真。

崔振宽先生是长安画派之后陕西最重要的山水画家,他探索了从中国绘画特别是文人书画传统的内部向现当代艺术推进的艰难道路,并取得了重要成果,成为在世山水画家中走在汲古润今道路上最突出的艺术家。改革开放以来,黄宾虹的门徒如潮,颖出者唯崔振宽一人。所谓颖出,指的是在关联中完全独立并达到一定水平,唯其如此才可以称为“黄崔系统”。在二十世纪中国水墨画坛吴昌硕-齐白石系统、徐悲鸿-蒋兆和系统、林风眠-吴冠中等系统之外,“黄崔系统”构成了另一支独特的画脉景观。

《此时此地》导语:

图:艺术家解安宁先生在创作现场写真。

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在中国山水画中,焦墨山水不仅被看作是最难画的一种类型,甚至被视为山水画家难以或不敢涉足的禁区。而陕西画家崔振宽却走上了这条路,他不仅勇于探索,并且在这条路上沉潜往复,不懈求变,形成了独具个人风貌和人文特征的艺术风格。在当代山水画、尤其是焦墨山水画领域独树一帜。崔振宽的艺术成就是西北独特的地缘文化中生长起来的艺术现象,是他根植传统、关照现代,善于解决艺术的时代命题,并执着探索的结果。回溯崔振宽的艺术脉络,我们不难看到:他与长安画派的石鲁、赵望云、罗铭等人有着深厚的艺术血缘,与黄宾虹也有着继承与突破的关系。崔先生的艺术思想在很多方面也与西方的印象派、后印象派有着相融共通的默契。他努力在自然和精神的两极中寻求突围,把山水画的物质性与艺术家个人的精神追求进一步融汇,使焦墨山水作品中的笔触与结构形成了气韵苍茫、浑厚独特的空间感和文化语境,成为当代山水画领域里的一帧独特景象,被誉为当代的东方印象派。本期《艺上UP》走近艺术家,学者王鲁湘与崔振宽先生对话,探讨中国山水画笔墨的精妙意趣,讨论艺术家在建构时代精神中所承担的历史责任。

图:艺术家解安宁作品系列《山水》100×69cm、材料:水墨纸本。

滇北山中之四 焦墨设色 182×97cm 2019年

画家崔振宽与学者王鲁湘合影

图:艺术家解安宁作品系列《山水扇面》100×46cm、材料:水墨纸本 (2)

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银白色的焦墨才是高级的调子

图:艺术家解安宁作品系列《瑞雪满空来 龙舞万里沙》400×200cm、材料:水墨纸本。

又上华山之一 焦墨 209×126cm 2019年

王鲁湘:崔先生您是中国当代著名的山水画家,焦墨山水大家,长安画派很有影响力的传承人。这些年来,您的作品给我最大的印象,是在黄宾虹的黑、密、厚、重基础上寻求解决着点、线的避让、透薄的问题。所谓厚,即焦墨和水墨最大的不同,焦墨只有墨的层次,没有办法叠,而水墨可以在一个点上叠无数层,最后经过装裱,所有叠过的层次都会表现出来。淡墨之所以能画的厚,就是因为反复叠加,但不会被遮盖。焦墨不行,一个点叠加起来就会被遮盖,没有任何层次。张仃先生也认为这是技法上最难处理的一个问题。按理说焦墨应该是用最黑的墨,画出的画也是最黑的,但实际上却不是,真正用焦墨画出来的画应该是银白色的。一块淡墨,可以是一片里边分出若干层次,但没法一片都是焦墨,否则它就会成为一团死墨。

图:艺术家解安宁作品系列《又临黄河岸》之一、60×97cm、材料:水墨纸本。

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崔振宽:对,它不能在一个地方重叠,所以当一幅焦墨画作品和一幅水墨作品摆在一起的时候,焦墨反而呈现出银白色。比如与其他焦墨作品相比,李可染先生的水墨作品就要更黑一些。所以现在有一些年轻的画家模仿,包括作假的,最大的问题就是画出的焦墨是乌黑的,感觉乌烟瘴气。而张仃先生的焦墨无论画的多黑、多重,看上去整幅画都是银白色的。

艺术家解安宁作品系列《禹门古渡》400×200cm、材料:水墨纸本。

山溪 焦墨设色 144x75cm 2017年

王鲁湘:这个调子才是高级的调子。对画家来说,一幅画要画的丰富,又只有一个墨色,这个墨色在宣纸上还没有办法利用宣纸的特色进行叠压,那怎么办呢?只有避就。如何避就,就是一个点下去,它周围的点和它一定是避就的关系,不仅要避开,还要就在一起。而其实在这个方位里边画家根本不知道他在画什么,完全是一个抽象的点线关系,点线处理得好与否,难点就在这种避就关系上。今天看了崔先生的原作以后,我在想崔先生在作画时,面对这么大一幅作品,在两到三尺左右的视觉距离之内,如果没有多年的经验积累应该是没有办法完成的。因为把这些点线放在有限的视觉范围中,画家作画是看不到物象的。

图:艺术家解安宁作品系列《焦墨山水》136×68cm、材料:水墨纸本。

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崔振宽:对,感觉是抽象的,只能凭经验、凭认识来架构。

图:艺术家解安宁作品系列《山水团扇》68×68cm、材料:水墨纸本。

秦岭山溪之二 焦墨 246.6×120cm 2017年

王鲁湘:但是,就你要画的画本身而言,作画人是必须要能在一到两米看到物象的,因为你不是在画抽象画。画家要在这种点线的避就关系中不仅仅要照顾到物象,最主要的还是中国画的笔墨、点线之间的虚实关系,在所有的空间中都要观照、照顾到,这是个难度极其高的。这种画焦墨如果是一个小稿、斗方,还可以理解,上到六尺、八尺后难度就非比寻常了。您的这幅《雨打芭蕉》我觉得非常好。现在我们离这幅画大约2米远,有观画经验的人就会知道画的大体是什么东西物象就出来了。在一片密密麻麻的芭蕉叶中间有一些房屋聚簇其中,这种景的处理难在深度。山水画一定要有个深度,因为画的是空间,同样的山水,用焦墨的笔触要把空间关系表现出来,比水墨难,非常难。

图:艺术家解安宁作品系列《大河恒古》136×68cm、材料:水墨纸本 (2)

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崔振宽:对。焦墨处理时容易视觉平面化。

图:艺术家解安宁作品系列68×68cm、材料:水墨纸本。

华岳之皴图三 焦墨 248×122cm 2019年

王鲁湘:崔先生您用水墨作画的时候,我看到您这种空间感、层次感在画面上随时都照顾到了,但纯粹用焦墨画的时候,绘画的空间感、层次感似乎得到了消解,而彰显出来的是画面的平面性,这时我们看到的是您在平面构成关系中表现出的笔墨个性。

图:艺术家解安宁作品系列《飘飘千里雪 悠悠度龙沙》240×120cm、材料:水墨纸本。

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崔振宽:我画焦墨时特别聚精会神,也非常紧张,因为焦墨不同水墨,一笔不对整幅画就没法挽救了。所以,画焦墨时所有绘画的要素在画的过程中考虑到,然后在平面当中表现笔墨结构的空间感,用疏密、虚实、点线的关系来表现空间的深度。焦墨与纸张近距离所呈现的平面性,使得画家要实现上述要求是非常困难的,说焦墨山水难画这也是一难。

图:艺术家解安宁作品系列《怡然小景》之一66×33cm、材料:水墨纸本。

鼓浪屿 纸本水墨 34x34cm 1983年

王鲁湘:在一个近距离近似平面的维度里,要让笔墨在中间发挥强调笔墨本身的丰富性,这不像西方有些绘画靠一个笔触、一种笔形反复地叠加组织形成一个结构,中国画还是讲究点线的构成关系,线条要有一定的变化,点线之间如何呼应等等,所以这个技术难度就更大一些,比西方所理解的画要难画的多。它的组织性、结构性,还有笔墨本身的表意性都不能牺牲掉。

图:同上。

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图:艺术家解安宁作品系列《红树醉石门》136×68cm、材料:水墨纸本。

石径 纸本水墨 34×34cm 1983年

图:艺术家解安宁作品系列《大河恒古》136×68cm、材料:水墨纸本 (3)

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图:艺术家解安宁先生与海外艺术家李剑华先生在东京国立博物馆黑田清辉纪念馆前留影。

终南山上之五 焦墨 180×120cm 2008年

图:艺术家解安宁先生访问国立东京艺术大学写真。

解安宁,生于1966年3月,现任陕西省山水画研究会主席,西安未央区文联副主席,西安未央区政协常委,西安交通大学九三学社委员,西安交通大学博物馆研究员,西北大学艺术研究所研究员,陕西师范大学美术学院兼职教授,长安画派研究院研究员,西安交通大学城市学院艺术系主任,西安交通大学艺术哲学博士,教授,国家一级美术师。

数日里忙着架上绘事,难得抽空去上野公园观秋日下的风景。恰好与从西安来东京访问的解安宁先生有约,我们赶去上野公园见面。

与安宁相见一见如故,特别邀请了他及西北地区的艺术家、参加年内将在世田谷美术馆举办的“现代中国艺术东京第3回展”活动。我们交谈甚欢,又激起想去西安讲学访问的念头。上世纪的1991年,也是一个秋季的十月,我首访西安去参加一场研讨会,夜宿杨虎城宾馆的记忆犹如昨日……

翻阅安宁先生递给我的画集,数十余件大小不一的作品,让人惊艷之余又不得不回到绘画本体、水墨工具,这一最古老的绘画媒材的话题上来。中国水墨画界,以浩瀚之长江划分派别。故而以长江以北为北方画派、江之南面则为南方画派,在日本古语中称之“南画”、“北画”之分。

在近现代,中国画坛呈现出五大流派,而众多的流派中又以长安画派影响最大。长安画派借以西北地域之长,以少数民族、塞外辽阔的草原、戈壁滩、大西北高原之特点,选择粗犷、狂野奔放之笔墨,抒发江北塞外之情境。产生了像开派人物赵望云、石鲁、何海霞等人。

土生土长于陕西之解安宁,字子穆,号解一,生于司马迁故里韩城。曾就读于西安美术学院,陕西师范大学,中国艺术研究院,西安交通大学,现任陕西省山水画研究会主席,澳门画院副院长,西安未央区文联副主席,西安未央区政协常委,西安交通大学九三学社委员,西安交通大学城市学院艺术系主任,西安交通大学艺术哲学博士,教授,国家一级美术师。

在安宁的绘画心语中,恰好记载了他真实的内心。多年来,他的山水画卷以北国的山川为内容,那雄浑博大、敦厚峻峭里蕴含着极大的绘画灵性。他极其崇尚大自然,“自然”充满了伟大的力量,切不可自我臆造形相,随心所欲更改自然,而应以我之自然,合物之自然。

探析长安绘画其深厚的历史渊源和艺术传承脉络,它最先启蒙于西汉壁画、隋唐五代出了阎立本、展子文、李思训等一批绘画高手。而真正形成长安画派体系,则以赵望云、石鲁、何海霞、方济众等四大金刚集聚长安开始,并形成了一股巨大力量。他们坚信绘画之源于大自然,坚持深入大西北、以沙漠、戈壁滩、农村生活为创作素材,并集合了一大批中坚美术力量,不断探索,突破了文人水墨绘画格局,形成了一整套系统化的笔墨技巧。苍茫、厚重的笔墨、线条刻画出大西北的灵魂,黄土高原的深厚情怀,开拓出一条崭新水墨绘画新境界。上世纪六十年代,成功进京联展引起瞩目,被誉为“长安画派”。

读解安宁「绘事物语」中提及绘画“陌生化”之观点很新鲜。绘画创作过程中观察事物的态度、方式,原本就如此。艺术家观察物象世界也正是从陌生、“生、熟、生”的过程开始的。白石老人“不似之似”也藴含绘画本质即陌生化的特性,强调精神内涵胜于表象。对自然界的观察,深入感悟艺术之精神内涵在于本质,非单纯客体的存在。

安宁先生从黄宾虹山水画作品中感悟更为深刻。黄氏真山水、甚至将水墨山水表现语言方式推至更高的艺术境界。创作者对自然界、观万象之景并非纯粹的客观物象,应是客观主体化过程中产生的心物感应现象、是绘者心灵之体悟,升华至精神层面的内涵上来。

从黄宾虹先生作品里读其笔墨、浓淡、干湿、甚至“不象之象”的大象之美的画面中获得许多的启迪。这种表现恰好正是“天人合一”、“心物两忘”之审美境界。亦是水墨画中之最高意境!

多年的艺术创作实践,采用巨幅画卷表现黄河之奔腾澎湃之势,运用水墨方式、不断探索实践这个过程。他对大自然的眷恋、追寻大西北、戈壁滩、黄河之源的绘画梦终成现实。

在安宁先生的山水画系列作品中,技法吸纳了传统精髓,注重笔墨之间的变化,采用泼、皴法相互施用,以墨结合线为主,表现山石陡峭,意突出大西北的地貌特征。在他《黄河情》、《禹门古渡》、《九曲黄河万里沙》、《绿染母亲河》、《大河奔腾》、《瑞雪满空来 龙舞万里沙》等作品中,运用干湿富于变幻的色墨线条,通过焦墨、枯笔、线面的巧用,力求传达西北高原的厚重、黄河奔腾之气势。特别在《青山聚祥云》、《华岳雄姿》、《壮美云山》真山水画卷中运用的干湿、饱和的色墨、富于韵律的线条更突出山峰、川流走势与气韵。耐人寻味的焦墨山水画卷,则传达出传统书法中有骨有肉之特点,使笔墨成为纯粹意义上的水墨线条,将枯笔焦墨山水的特殊质感发挥极致。既有古人李思训绘画大家画中的烟水浩淼,山势起伏, 江天辽阔之气场。更可见赵望云、石鲁笔下的单纯、粗犷、狂野奔放之笔墨功力。画出了黄河、戈壁、西北高原的大气势。正如郭熙云:“欲夺其造化,则莫神于好,莫勤于精,莫大于饱游饫看,历历罗列于胸中。”或许、正是艺术家解安宁先生最佳的创作状态和心境吧!

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