绘画作品背后的绘画理念才是最重要的,画面的

《我藏在它的后面》:带面具的小丑

  关於绘画的真实情况就暂时说到这里,那麽如果读者还是对绘画有兴趣的话,我在此不继续说鼓励读者的话——事实上我从来没有讲过,而且我也不会讲这种话,我觉得鼓励的文章只会让读者沈浸在一种「我会成功」的梦幻里面儿不会积极进取,所以关於鼓励的话我绝对拒绝到底。

很多妈妈也给孩子报绘画班。甚至图书里教我们的也都是简笔画、铅笔画,都是线条和圆圈。如此教孩子,岂不是固步自封,限制了孩子的思维自由,抑制了孩子的艺术天赋。这样教育,沉默可能是有创造力的画家,最多是个线条完美色彩精致的画者而已。


从早期年轻、自由、幸福、好运的哥雅到他最后的绘画,从小情调到伟大的艺术,真的很有意思!委拉斯贵支是画家中的画家,而哥雅和他相比给我带来了更为巨大而神奇的影响。

  因此基本上,我对於儿童学漫画这件事情是相当反对的,毕竟自己是过来人,所以才会深刻体会到这个困扰。但是排除漫画这件事情,如果要迅速学会一项绘画,比方素描油画水彩,临摹大师的作品铁定是最快的。尤其是最经典最知名的绘画,去临摹他的技巧胜读数十本的美术史及美学概论,因为你可以从中了解绘师在描绘这张图的情境是如何,以及容易掌握到这幅名画所要展现的重点是什麽。我在画室学水彩的时候,也是老师给我一张照片或一张画叫我照着画,过一段时间我总算抓住这张画的经典,学习的名画久了自然也吸收了不少大师的技法。

换句话说,比起看重流派、压抑个性,能够随心所欲地画画,创造出自己的世界,才是理想状态。当然,这非常难。这么说呢,像在给自己找借口:万一书派不上用场,可怪不着我哦。

都说围棋新手出自外行。如果你读这本书时对画画一窍不通,那就太棒了。你还没有被死板的观念禁锢,充满了打造个人风格的无限可能。

我带上棕榈花冠,身上涂满三彩的图形,手持权杖,赤身裸体,只有私处用我喜爱的无花果叶遮挡了一下而已。我对站在面前的众人说我叫南方,在接下来的几周时间将由我和你们大家共同度过,希望我能带给你们快乐!众人整齐的鼓掌并扭动着下身干净的棕榈裙摆。口中发出整齐的俚语于是我完全放下了权杖,棕榈花冠和无花果叶,伸展舞动着四肢和躯干,我不时的用兽骨刺痛着我的皮肉,红宝石般的血液流到五彩的地上,发出滴答声!众人兴奋了,拍打着胸膛大叫着!有谁知道他们是被什么打动了呢?可能只有赐予我力量的他才知道吧

  这种问题在网路上经常看到,但是对我这个从小就自学绘画的人来说,这无疑是一个相当白痴问题(欸)首先,我们这些自学的人在以前是没有所谓的「教学资源」的,因为教学资源的缺乏与对绘画的渴望,所以我们通常是靠着自己的感觉去练画。我们看树长什麽样,就画树长怎麽样;我们看人长怎麽样,就画人长怎麽样,就是这样而已。

说到画画,最好从零开始。话是这么说,但总不能沿着美术史一直追溯到原始绘画吧。印象派拉开了近代绘画的帷幕,我想以此为原点,重新学习。

言归正传。除了这些,更主要的是安野光雅对绘画的理解和认识,我觉得这种思想理念比绘画技术更为重要。因为技术是可以学习的,但思想是指导实践的。思想出现偏差,会直接影响自己的艺术层次。

理性控制的机器工业化下生产的文化商品,实在太有诱惑力了!他不仅给我幻想,也给我真实。每个人的童趣都在体内不停的消耗着,他需要物质提醒。我体内的基因缘于爸爸,妈妈两个家庭的血液,而童趣指数远远高于全球人均值,这使的我从小喜欢一切卡通形象,喜欢奶奶刺绣的中国传统图案,喜欢太多人类内心单纯的产物!

  不过如果连学习以上这三件事情都还是有困难的话,我还是建议就直接找一间画室去上课吧!我不知道大陆的画室风气是如何,但是在台湾的确存在为兴趣而设置的画室,而我上课的画室甚至还包含安亲班的功能,所以台湾的画室也不见得是为考试存在。我不知道大陆有没有类似的画室,不过可以试着找找看,而通常给老师教也比较有效,同时也比较迅速,与自己没头没脑的尝试相比确实有效率许多。

言尽于此,祝福大家!

我想,伟大的艺术作品,应该是包含情感、深入灵魂的吧。它是无声的语言,彩色的文字,甚至比这还多也更深刻。透过眼睛,入心深处。

我仍执着于《一条龙》中第一感觉的表达。此系列作品的主题源自儿子的一幅露着小鸡鸡的照片。照片中儿子的眼神让我想到一棵小草冲破土壤的一瞬间。于是我再次举起了我的右手。、

  基本上学画画最快的途径不外三个。一个是速写,一个是素描,一个是临摹。速写是培养你抓住一个物体的外形轮廓的能力,通常速写画得好,素描和临摹基本上也不会太差,因为这是在考验你对於一个物体的观察力和描写能力。第一次画可以用铅笔或自动笔来画,但是画了一段时间以後就可以尝试用原字笔或代针笔去速写某项物体或景物,而因为原字笔和代针笔无法修改,所以这就在考验你的作画技术和技巧了。

那孩子的艺术天分将会失灵。

这个是用素描纸和丙烯颜料画的

在2006年初,我开始了新的尝试,我不断的摆弄它,然后去干别的事,然后再回来接着画。我在这张画上花了很多时间。我感到,在一张画上花的时间越长,就越不想放弃它,为一幅作品花了三个月时间还没画到满意就放弃,实在是太可惜了。四个月后,我开始明白问题出在哪了:有时候,直接表达更重要一些,尤其是五官。那部分我已不能改变和修改了。我决定重新开始,当然不会重复原题材,因为画的虽然都是儿子,但每一幅作品都有它存在的价值,这是我的原则,面部形成的抽象性是我每一幅所追求的一部分。我要表达我自己对所有的态度!他们认为我疯了!我不必再像平时作画时那样对他多加考虑了,我所需要的只是开始。于是我和孩子独处,无论是在家里,还是在公园,都不停的用相机记录下那些美好时光,这是我的心的投影,映在了一颗蓝宝石上面了吧!我从未想过,它竟会是我被别人认识的一个契机。展览前,我终于完成了这个系列的作品。必须承认,我还是很喜欢那幅三个多月才完成的作品的。这个过程是很奇妙,也是很令人激动的。

  其次是素描,素描这个东西跟速写是环环相扣的,素描包含了速写对物体的观察力以及对於物体外形的截取,而素描相较於速写讲究的地方就更多了,它包含了光线轮廓阴影的捕捉,以及物体材质的表现。而当然素描也不仅仅只限於铅笔素描,色铅笔丶炭笔丶水彩和水墨也是表现素描最好的素材。只是差别是,铅笔素描讲究的地方非常细致,因此铅笔素描考验的是画面的细致程度以及细节的表现。炭笔素描讲究的是气氛,所以如果希望画的又快又好最好还是画炭笔会比较符合你的需求。而碳笔有个优势是,只要画一个大概就是及格的素描,只要你愿意,你还可以画得更细。至於色铅笔和多色水彩的素描就加入了对颜色的观察,而如何配色和调色就是在考验你对於色彩学的认知,初学者建议暂时不先朝这方面练起,但是单色水彩的道理跟碳笔差不多,倒是值得一试。

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我一直认为,技术可以传授,而内在的创造力却无法教导。就像我反复强调的,这需要自己体会。

我听到有些看了我画的人说我画的不够震撼,不够深刻,太小情调。而我要说,等着瞧好了。我会成为哥雅的!

  我学画画从国小开始到现在也已经有十几二十年的时间,但是我真正开始学画画则是2008年开始的事情,当时的我已经二十岁了。而在我上大学的时间,因为进度不如人的关系我向来都是埋首苦干一路上爬,直到延毕第五年,我的绘画和设计水平才有一点点的进步,而我自认为这点进步才是我学画的真正的起点。无论学画的人有没有心要继续钻研这门技术,除了技术上的熟练以外,平时对於美学的素养,以及艺术理论的汲取,对於艺术方面的好奇,都是在习画的过程中不可或缺的一环。绘画是一个孤独且漫长的修行,无论是否将这份爱好转换为一种让自己闪耀的能量,唯一能做的事情,就是努力。

选自《安野光雅的十二堂绘画课》

希望认识很多绘画高手,在简书!

绘画在一定程度上讲是心理物理化的表现。每年这个圈子都要产生数百万新的绘画作品,会有机构对这些作品进行筛选的。过去最伟大的形式讲究精确性,现在这种方法不在真实了。我会利用偶然性但他不是纯粹的偶然性。它会产生一种令人惊奇的和富于指导性的力量。就象哥雅黑色时期的作品!

  那麽如果是出社会或上大学以後才想要学画画那不就没救了?这就要看你是否要将画画这回事当作事业,还是纯粹当一个兴趣了。如果要当一个兴趣那当然什麽时候开始学都不是问题,重点是你有没有动力支持你这个嗜好。但是如果要将绘画作为一个事业,在此也是劝你「想都不用想了」,你再怎麽拼命也拼不过那些功底比你深好几年的画者的。更残酷的是,有些人画了十几二十年却是在三流的设计公司上班,或者是乾脆卖炸鸡排了,你这种半路出家的和尚要如何跟他们竞争?这是一个很现实的问题。

我一直认为,技术可以传授,而内在的创造力却无法教导。就像我反复强调的,这需要自己体会。

但在 安野光雅的十二堂绘画课里。对梵高的评价,只有绘画,没有其他。不过他的艺术是伟大的,所以真的很棒。跟安野光雅学了太多了,很开心。

1996年的经验之趣

  但是如果要说到方法,我似乎可以试着去表达我的看法。

一言道不尽,自己读了才又体会。我本人也喜欢画画,真是有点儿百感交集的感觉。曾经学的绘画方式都错了。好在还有机会纠正。信息时代,不缺资源,就缺探索资源、用心思考的心。

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我在小房子里画出大画,嘿嘿!令人惊奇!我可不想对社会活动过分关注,你需要画的周围有足够的空间来感觉它的存在。尺寸对内容起着很大作用,我害怕重复自身,尽管我可以轻松的画出同一主题下的大尺幅作品。

  关於绘画这个技术活,就像习武或学乐器一样,最好是愈小的时候开始练习会比较好,因为绘画这个东西,是要先从感性开发小孩子对於各种媒材的试验以及订定各种绘画技巧以及简单的构图和色彩原理,到了十几岁以後就要奠定绘者对於写实的感受力,以及考验会者对事物的观察和描写,到了差不多二十几丶三十几岁以後,才从理性的客观描写慢慢解放为感性的情感抒发。所以你在美术馆看到一堆大师「挥洒」你看不懂得抽象画,不是他们在画连小朋友都会的东西,而是在他们表现现代艺术的背後经历了十几二十年写实主义的功底。

绘画天赋、想象力、创造力,自由思考,这种词语根本跟我们没有关系。

只有善于思考和感知的人,只有思想丰富的人才能与之相契合。安野光雅说呀感恩大自然的恩惠,这让我有点惊讶,又颇为敬佩。

终于开始卖了!象是等待初吻的少女;象是讥饿的小孩;象是竞选上的议员您认为是哪一种心情呢?

  从上面这几段来看,绘画这个圈子基本上是很残酷而且相当竞争的圈子,然而讽刺的是这个圈子却从来都不被尊重,圈外人看待我们都是用一种「反正你就画一画就好了」这样的态度对待我们的作品或者恶性削价。其实说老实话包括我在内我也会觉得一幅画了不起有多少钱?可是这幅画底下的功夫只有真正有画过画的人才知道。

例如,点彩派(下文中会讲到),到底是怎么回事呢?就是绘画理念一致,技术层面也互相影响,最终固定下来形成的一个流派。而另一方面,绘画看重创造性,排斥模仿。能用“点彩”来概括,说明他们过于追求技术。不光是点彩,只要流派出现,就蕴含着通往下一个创造的征兆。

正如安野光雅对梵高的评价:“对梵高来说,得以从束缚中解放出来,这不单是技术革新,更是精神上的革命。他一改之前对待事物的看法,顺便改变了对印象派技法和观点的看法。”

我同样熟悉摇滚乐的情绪领域,也可以轻易画出与之类似的图画。我因该简朴得如民谣一般,我只需轻唱出来就完成了自然和自我的融化过程。

  但是无论是要自学还是拜师,要注意的一点是,无论你朝哪个方向走,你都要抱持一种相当谦卑的精神去对待你的画并且钻研你的技法。有些人可能学了一点点就在纠结风格问题,认为自己学太多会不会牺牲掉自己的绘画风格,但是这种担心是多馀的,因为无论你的画再怎麽改变,这幅画核心的精神并不会因人而改变,就算绘画风格与过往回然不同,但依然可以看出这幅作品是出自於谁人之手。再说当你学习的技法愈来愈多,自然就会从中产生自己真正的一套绘画风格,所以风格问题从来都不是问题,重点是你愿不愿意有苦干实干不怕失败的心。

太可怕了,但也庆幸,有很多家长愿意思考,陪伴孩子一起成长!

比起娴熟的绘画技术,对绘画、艺术的感知能力,更为重要。

想让人明白我的内心而非画面,所以,表达内容的深入是有意义的。我不认为牛逼就是那些看似表达了时代精神,社会问题,国际现象的作品。这不属于美学的重要范畴,不具有深层的美学意义!这很简单,美术史里有几位大师是这样的?这可能是只有在中国才有的结果吧

  可是还是有为数不少的人在网路上问如何入门的问题,我是在想你们是没有手吗?难道不会点点手指头在网路上搜寻影片和教学吗?你们没有脚吗?难道不会去书店翻翻绘画技巧的书吗?基本上我看到网路上这类文的出现,我心里只有一个想法,要嘛就是他们根本没有动力去学画,要嘛就是要找一个不能学画的借口让自己「知难而退」。如果是这样的话,我就来告诉你们画画是怎麽一回事。

哪个爸爸不望子成龙,哪个妈妈不愿女变凤。但心急就是错。当经过绘画班的培训,孩子一幅幅线条流畅、色彩丰富的作品摆在面前,家长都会心花怒放。钱财和心血的投资,似乎终于得到回报。可是,需要提醒您,绘画作品背后的绘画理念才是最重要的!

他说:“绘画不在技术,最重要的是创造性。画者的感性决定一切。只要像梵高那样,把自己看到的东西和感受,坦率地画出来就行了。梵高的画作之所以打动我们,不在于他画得有多写实这样的传统问题,而是让我们看到了梵高精神的震撼。”

肖像画是一种爱的行动!其渗透性可以和性爱关系媲美,没有保留和隐瞒,不附加任何条件!因此,颜料的肌理比任何其他东西更能与之发生交流;刮刀的划痕出现在肖像的五官上,一遍遍的速度、内敛、表现、渗透、就一起出现在平面的空间里面,像自然流出的爱液!我不停的动着,媒介剂起到了奇幻般的作用,他使的肌理呈现不同的身份!这些使我不时的一次次高潮,就像毕加索作品中不断出现的白色画布的底层,我想成为哥雅,但不想失聪,不想成为一个一意孤行的巨人!

  那麽最後就是关於临摹作品的部分。放到最後不是因为它很难,而是我认为如果一开始就学临摹,顶多只能让你了解每个绘师在表现技法上的不同,而不能让你了解到为什麽绘师要这麽做。相信大部份从小学画画的孩子有很多都是看漫画然後慢慢临摹习成的吧?但是临摹自己的漫画家以後,你画出来的东西跟漫画家很像,可是当时间一久,直到你真正要开始学画了以後,你才会惊觉你不管画什麽都很漫画。

这就是安野光雅成为殿堂级绘画大师最宝贵的经验。

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现在的绘画者有几个人敢小声的告诉他的朋友们甚至亲人,他的作品是他的真实?这个圈子会改变人的思考方式,而且很多曾今我很尊敬的人都以被改变!他们背叛了自己!

  这就是为什麽陈列在美术馆的精英艺术可以在卖场上拍卖到几十亿的天价,为什麽在设计界或插画界的设计可以让设计师如此斤斤计较,不外乎这些作品底下的功夫,不光是十年的功力便能练成的。

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每天上课,回画室,回家。像僧侣一样过着由清规戒律管着的单纯生活。这是很奢侈的!不论你住在什么地方,只要你勤于研究,你就能够对过去的大量艺术遗产和近100年来非常复杂的艺术史了解的清楚一些。我觉得很多人根本就不晓得近年来的艺术史,从他们的画中就可以看出这一点,他们的作品和一百年来极为复杂的艺术没有什么联系,也许有人会说你的作品中也看不到!但我可以肯定的告诉他们这丰富的艺术正在慢慢的影响我,我确实已经看到了,值得一试!如果你感到艺术上的孤独时,往往是你不够自信。我想我不介意独处或独立工作。

  所以总归一句话:如果你错过应该学画画的时间,基本上你长大还要在学画画就别想了。不用说有些高中生都已经到高三了才在补画室,才在说自己要考台艺大丶北艺大(地位相当於大陆的央美),平心而论,就算是我这种渣渣,每次看到这种学生心里都在想「怎麽可能」。总之这种技术活当然是愈早学效果愈好。

如果从小接受了条条框框的绘画理念,陷入线条、构图、比例等死板的绘画技法中。

当梵高举枪扣动扳机,麦田是否风浪滚滚,簌簌而吟;乌鸦是否哀鸣长空,泣血高歌。还是说,风止麦静,乌鸦远飞,黑压压的天空豁然开阔,重见光明?

我可以卖画为生了!就是这样。从小就想当画家也获过很多奖,现在通过卖好象实现了梦似的笑一笑!一切都无所谓!我可以拿这些钱做一点我想做的事情了!我不想膨胀我的物质欲。就是古人骑马`座轿,今人骑车开车,其实什么也没有变!

大师画速写,人物也是很简单的,跟孩子画的没什么区别。其实谁规定一定要一板一眼地画。如果绘画非要跟真实的一模一样,那直接拍照就好了,画画永远抵不过拍照!

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一定要有条不紊的,否则将不成一件作品,仍需研究!研究!我今天尝试了这一年想要表达的东西:向印象派学习!目前感觉良好,色彩有了梦幻般的变化进行一种绘画语言的研究与训练就应该是单纯的。单纯代替复杂使表现出的东西会更深邃。

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如今我抵达了一个可以检视当代艺术的队列中。然而对我个人来说,形象的创造是一件作品中的重大事件。我想创造当代以外的东西,这像一个阴谋般另我振惊,兴奋!思想的世界再度秩序化,复杂再度变的简单,我是一个想攀登几步的人。

完美的线条、优质的构图,缤纷的颜色会成就一个专业的画者。但天马行空的想象、随心随意的涂画,尽情畅快的表达,才是一个艺术家、一个画家最基本的特质。


现在仍需进行多种技法,材料的实验与研究,但一定要保持自我,不要有意的去制造一种东西。任其自然生长这是最好的。必须有一种技法达到一定层面才有可能表现出你所表达的东西。

都说围棋新手出自外行。如果你读这本书时对画画一窍不通,那就太棒了。你还没有被死板的观念禁锢,充满了打造个人风格的无限可能。(选自《安野光的十二堂绘画课》)

“说是画画要合自己的心意,但仍然要感谢大自然的恩惠。如果说让你空想着来画,肯定办不到。模仿大自然,并把它画在纸上。就算不能一模一样,差别也是很微小的。我的意思是说,就像被风景激发灵感,创作出自己的画。”

挥刀自剖

这种“一个样”的绘画模式中,我们反复练习,慢慢就成了长在脑子里固定的思维方式。

能看清吗,反正就是说画画,应该天马星空,思想自由,不要被约定俗成的规矩限制思维、创造力。这样才能更好地创作,创作的作品也才能有生命力,更富有灵魂。我觉得说得特别对。如果只专注于画好线条色彩,却不能丰富地表达自己的思想,那就是一幅漂亮的画,而你也最多是个画手。但能自由创作、多些思想的东西,才有可能成为画家。因为一幅作品往往能流露出画家的情感思想也能表达画面之外更深刻的意义,这才是它的价值。为啥梵高能是世界级绘画大师呢,对吧。

画画不能落后于观念!但是也不能在外表上显出是对观念的补充!内容不能成为一种使我进行工作时感到分心的奢侈品!我总是对被称为行为和生活的东西,比对艺术更有兴趣!如果我的绘画作品成功了,只是因为现实生活和艺术之间偶然的完美和谐。

安野光雅说:

当然,对梵高的理解,我也只有这么多,对他的《向日葵》我也还是没有太多感觉。而《星空》我是看了其他画手模仿他的画作,有了一点自己的理解,梵高的星空充满浪漫和神秘,但色彩却不够明亮,深邃无边中透露出一种密不透风的压抑,我看到别人模仿他的却极为明亮,更为浪漫,静谧而美好的感觉。(图片找不到了,也不知道我理解的对不,欢迎大家批评指正哟)

南方,他们走这边,你走那边!我对自己说。

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而我之前就是从条条框框的零基础开始的,所以只能画点儿拙劣的。希望今后能认识更多绘画高手,帮帮我,让我进步吧 哈哈~~~

时间会让技术成熟的,这直接影响情感的表达。所以,要缩短这段时间,让所感所觉如潮涌出。

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我很喜欢画画,但行动力很差,所以至今仍然是个小白。

画面的真实真的很可怜!知音真的是个位数的,而牛却是n次方的。可怜的真实,可叹的我!我是多么需要那一点点笔触能把我吹入真实的心情中啊!就象丘比特的箭,射向两个不相爱的人于是他们相爱了一样可笑

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当然了,俺离画手都很远。可是有了这种自由的思想做基础,最起码我们不会再被禁锢了。

处于这个阶段的我时而矛盾,时而眼前一片虚幻,我在这个学期一定要飞跃这个阶段,达到自我与自然的相遇。

安野光雅热爱画画,还善于思考,他亲子走访国际名家曾经待过的地方,比如梵高去过的地方。仔细体味名家境界,果然是不同的。

换句话说,比起看重流派、压抑个性,能够随心所欲地画画,创造出自己的世界,才是理想状态。当然,这非常难。这么说呢,像在给自己找借口:万一书派不上用场,可怪不着我哦。

变形金刚

说是理想,其实很单纯。就是随心所欲地画画。不是躲在传统、样式、技法后面,而是赤裸裸地来到人前,把自己的一切显露无遗。(选自《安野光雅的十二堂绘画课》)

最近看了《安野光雅的十二堂绘画课》,颇有感触。大师就是大师,说得真好。虽然我没有想过成为画家,也没想过画成多好。但安野光雅的理念实用,对于绘画来说,确实非常重要。

玩儿古玩有些年了,但是玩变形年头就更长了!从小只要看到和变形金刚有关的商品,我就会花干平时的积蓄去选择!买回来临摹贴纸上的图案,改变实体的颜色,从机器人变形成汽车,飞机,昆虫,所得到的快感绝对是唯一的。虽赶不上猪八戒的八、八、64变,但它是真实可及的,是想象力和占有欲双重实现的载体!汽车人,变形!.我听从领袖小雨的命令;跪在床上,打着滚。,嘴里发出卡卡卡,卡卡卡的俚语,和儿子一起出发了!当我组合大力神的时候,儿子变成了轰隆隆;儿子变行成擎天柱的时侯,我会变成他的车厢;我和儿子合体成大无畏的那一刻,我仿佛成了塞伯坦星球的主宰,成了小雨心中永远的伙伴!现在我和儿子共同收藏的变形金刚也有一定规模了,有的新买来的宝贝我还没琢磨透呢,儿子却早已变形成功了!

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他很可怜,感情强烈,但无人能懂。他很可恨,嫖妓酗酒,性情偏执,极不成熟!对于爱情,他求而不得,就越发疯狂。

真实真的是一个挺没什么意思的主题。可是画画又是为什么呢?我进入自己的身体从食指流淌出情感的符咒!

艺术之所以是艺术,是因为它富有创造力,富有生命力,而非刻板的规矩。


我是父亲,是儿子,是老公,是友人还是一名教师,这是我的身份之一。

日本绘画大师、绘本大师 安野光雅

安野光雅都是走访了很多名家到过的地方,画过的风景,然后他去感受、绘画,体会,总结出一套自己的经验。而我们大多数人,都是按照书上讲的零基础,按部就班,画出来都是画,但没有感情传递,也没有灵气可言。所以是不是艺术,区别就出来了。画手和画家也区别出来了。他说:

真不真实只有你自己知道!真实其实只是绘者的一种妥协!是需要在赞扬声中喘息的一种表情而已!所以画面的真实是不存在的!对每一个有着不同思考的大脑来说,有人看到了笑容,有人看到了钱!而绘画却只想让观者看到他符咒里的语言!

记不记得,我们曾经都画一样的画,房子一个样,太阳一个样,花朵一个样,小路也一个样……

对于绘画这种需要想象力、创造力和艺术天赋的事情来说,一旦心里只有技术,而没有想象力创造力,绘画条条框框,束手手脚,打不开思路,那么绘画的作品就没有生命力,缺少灵性。

教别人画画,也实在是件好玩儿的事。一个人对20个人,30个人,甚至100个人说这就是对的,会有几个人相信呢?先不用说什么教学大纲,更不用提什么教育方针,政策。作为一个绘画者,把自己的小技法,小聪明,全部剖析给学生,这是一个什么过程啊。你要不断补充营养,为了自己,为了那些可能会相信你的人,好玩儿!

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最后嘞,真心推荐画友们看看安野光雅这本书,不过需要细读下。

教别人画画

因此,能够为孩子的想象力、创造力提供肥沃土壤,能够教孩子尽情表达思想和感情的绘画培训班,才是家长的首选。

不懂艺术,但还是挺喜欢的,那我应该算伪艺术爱好者了。

昨天,我领着小雨开启了他人生第一次电影院之旅--《变形金刚》!看着儿子那天无法形容的眼神和心情,我被征服了,我正在变形过程中,就这样从此幸福下去吧!!!

没有所谓专家、外行的藩篱,只要你热爱画画,咱们就可以一起琢磨。

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没有什么可以改变我的生长!我是我,我会把我的血管从体内拔出,插在不同的营养端口,可能会转基因!可能会畸形!可能会夭折!卖的贵,不代表画的好,卖的多,不代表画的好!那不能卖,代表什么呢?

所以画画不是必须要条条框框,线条、构图、比例,也不是所有人都画一样的画。而是带着孩子到大自然中,在生活中发现素材,尽情地表达自己所看到的、所理解的。

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自然是一切艺术的源。我始终认为绘画的状态就是轻松的,当然,每个人的状态不同,应将美术史中各种艺术流派的语言融化到自己的内心中。

所以我对他的感觉是可怜又可恨,好坏参半的评价。

我要把爱灌注到每一件作品中,我可以做到的。不要询问我是什么人,我是无名小卒,只消知道我此刻是幸福的,不要询问我是否值得幸福,只需知道那是丰富而深刻的。

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素描的作用无时无刻不在影响着美术史的发展,色彩世界与素描世界的交集在那里?对比是绘画中的嘴,它是不容忽视的精灵,在一幅作品中有时可能起到绝对性的作用,因此要高度重视虚与实。《孙子兵法》中就有阐述。

安野光雅没有教给我们实际的绘画技法和步骤规则,而是走出去采风,在这个过程把自己对绘画的体悟和理解以及经验,讲述出来,对我来说,既不枯燥又容易理解。

我不说我得到的很少,我只是说他们给了我很多。但有一件事,我决不会去做。那就是为了金钱而去大量的生产作品,真正的艺术家拿到钱后会把它投入到艺术活动中去。作为一个绘者,你怎样生存下去呢?只要有一个你可以画画的地方,有钱买想买的任何颜料和书,你所需要的就只是画了。在其他方面你要那么多钱又有什么用呢?你不需要,但这并不意味着你不必生产作品了,你可以花上时间,花大量时间来做这件事。三四个月时间花在一张画上真是奢侈的事情。既然这些画值那么多钱,那么你一年画上十张就能维持生计了。如果我一年画上20张的话,能得到更多的钱,但我现在真正最需要的不是这些。所以,我能够在画上实现有所改变。一幅作品被他人喜爱,这是何等的一种幸福啊!既然你不知道他们的目的,快乐的享受每一天吧!

说到画画,最好从零开始。话是这么说,但总不能沿着美术史一直追溯到原始绘画吧。印象派拉开了近代绘画的帷幕,我想以此为原点,重新学习。

卖画为生

所以我突然感觉到,艺术家,不管是音乐绘画还是舞蹈,都是有灵魂的东西。

教师是谋生的一种方式,它能带给别人很多东西,所以我觉得自己有很大责任。上中学的时候,和同学开玩笑,在众多职业中,坚决不做老师。好象是一种讽刺,一种愚弄,我现在是一名教师,我对别人说。

没有所谓专家、外行的藩篱,只要你热爱画画,咱们就可以一起琢磨。

一张画的命运

对梵高,我之前也很多问号,他哪儿画得好了,为什么就是世界级名画了呢。我反复看了安野光雅的十二堂绘画课 几次,似乎多了一小丢丢感觉。安野光雅在书中说到的:真希望瞄准胸膛的枪声,被翻滚的麦浪和风声掩盖,就连梵高自己也没听到。那样他心里一定很轻松吧。然后我找出了梵高的麦田和乌鸦:

梵高是个疯子,大概只有他的画作懂他,麦田和乌鸦懂他。

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这个纯属草作,草稿纸,几分钟随手涂鸦的

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跟所谓的零基础比起来,果然是档次高哇。就这本。


他在序言里的一篇小文对我的影响更大:

例如,点彩派(下文中会讲到),到底是怎么回事呢?就是绘画理念一致,技术层面也互相影响,最终固定下来形成的一个流派。而另一方面,绘画看重创造性,排斥模仿。能用“点彩”来概括,说明他们过于追求技术。不光是点彩,只要流派出现,就蕴含着通往下一个创造的征兆。

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真是感慨。希望有了安野光雅先生的指导,今后能在绘画上,不拘泥于模仿和技巧,而是尽情地表达自己,慢慢培养自己的想象力、创造力。

大师在绘画

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