是中国传统绘画上高度艺术性的风格特征之一,

    当现代艺术呼啸而来,对传统审美习惯的审视,传统又变得清晰起来。三千多年来中国绘画的发展过程,它是那么超乎寻常的单纯。简单的点、线、面的形成,为绘画最主要的构成元素。人们发现中国文化和西方文化,都具有独特的审美形式,会惊奇发现西方文化中也具备中国文化特点,如凡高、马蒂斯、康定斯基等把线条推倒了绘画本身一部分的位置,线条成为了一种有生命意味的形式。中西绘画对线条本身是抽象的审美视点,有着共性文化。所以中国绘画线条艺术组合,不是单一的语言文化。它独特的表现方式,以及虚实、空凌的处理具有抽象倾向。宋代大家巨然、范宽、马远的山水画就不难发现抽象意味。但给人的感受仍是一种生命的刺激,而不是被绘画形式、苍凉的人格精神掩盖了线条、笔墨的抽象意味。传统绘画发展是心灵和自然结合,尤其清代到近代众多大家对绘画语言的表达。如八大山人、石涛、吴昌硕等,大家对传统书画线条有着独具的韵律和体现。让笔墨具有独立审美价值,可用八字来概括“似曾有法、似俗无尘”的独特绘画境界。

一个东方艺术家与西方艺术的真诚对话

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问:如何从绘画手法上比较中西美术作品?

 他们对传统已不再是“文人”画家的那种“怀旧”与“玩”的心态,亦不是笔墨中做“观念”的“实验”与“延伸”,而是将其置于现代语境下来的审视,切入。使传统文化与现代人文有效地整合,融合,在传统元素与现代意味中寻找到最自然的融合方式,将创作具有“原创性、前瞻性和学术性”的中国画新语典。
        如果真正做到了解和欣赏,就好如山无云不灵,山无石不奇,山无树不秀,山无水不语之感。去感受优良的传统艺术,为发展之动力。传统绘画是处理构图透视的多种多样的方法,充分说明了我们祖先的高度智慧,这种透视与构图处理上独特的灵活性和全面性,是中国传统绘画上高度艺术性的风格特征之一。西方绘画的焦点透视,表现方式,中国绘画,不论人物、山水、花鸟等等,均特别注重于表现对象的神情气韵。我们都知道,人们生长在宇宙之间,所生存的环境中一山一水一树一不一序一舍一花一草一虫一鸟,都跟我们有着难解难分的神韵关系。这就是人文精神文化,谈到精神文化,即就是人类精神之营养品。如音乐为养身、美味养口、绘画养目、茗茶养心。绘画的欣赏就是给我精神的食粮,精神之品,为人所共享之乐。
        古人云:“学出用以养心愈疾,君子乐之”书者,抒也。散也抒胸中气散胸中郁,故书家以无疾而寿“人们以书画自娱自乐,不仅可清除胸中块垒,解闷除愁,还可以怯病愈病”,因为书画联系可以集中精神,净化思维,心平气和,放松全身的筋骨,是一种良好的健身运动。如能持久练习,可以减少烦恼,起到养心愈疾作用。可以陶冶性情,静心养气,延年益寿之感。人在联系中挥笔泼墨时,要凝神静虑,端已正容,秉笔思升,临池志逸。对身心健康养颜长帮有益之处。

——书画家张玉馨的创作探索与可喜收获

水墨大写意有着悠久的历史和丰厚的文化底蕴,她是中国独特的人文思想、思维方式、审美意识的产物,中国人贴近自然、天人合一的哲学思想在这里得到了充分的体现。水墨大写意是中国的知识精英千百年来孜孜矻矻创造出的一种十分高雅的艺术形式,她是建立在理性绘画的基础之上,同时依据对自然、对社会、对宇宙认识上的主观情感进行艺术的提炼和概括的艺术形态。在“形与神”、“主观与客观”的关系上,我国古代画论早有精辟的论述,从顾恺之的“以形写神”、张璪的“外事造化,中得心源”,到石涛的“脱胎于山川”、“与山川神遇而迹画”物我交融的论述,再到齐白石的“画妙在似与不似之间”的名言,饱含了一系列艺术创造的经验和理论,既有艺术创造的一般规律,也独具鲜明的民族风格。这些“得意忘形”、“物我两化”的崇尚人的灵性和睿智的发挥、注重画家情感和气度的意象表达观念,是我们民族艺术的优良传统,王凤年在水墨大写意画的研究与创作中取得了不俗的成绩。

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□ 王晋军(文艺评论家、著名作家、高级记者)

 

中西方绘画艺术有两大载体,那就是国画与油画,国画注重“写意”,油画注重“写实”,我们可以把“写意”看作是国画的文化,“写实”看作是油画的文化,艺术和文化紧密相联,才能体现艺术的价值,问题来了:如何从绘画手法上比较中西美术作品?

作品赏析

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  “外师造化,中得心源”,“中学为体,西学为用”,长期游走于东、西方的张玉馨无论是传统书画,还是现代水墨,加上油画,皆渗透着一种天人合一、气韵生动的神秘力量。她对东方水墨的理解,对油画色彩乐章的驾驭,对东西方艺术表现元素的融会贯通,达致传统、当代和西方艺术三重奏的唯美境界,使作品产生出一种新的魅力,创造出一种新的意境。她的作品凸显出巨大张力,具有鲜明强劲的艺术表现力、感染力,流淌着一个东方艺术家与西方艺术的真诚对话。因此,人们对她的创作前景特别看好。

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从绘画手法上比较中西美术作品

由于国画“写意”,油画“写实”,导致国画和油画在绘画手法上存在很多不同的地方,最大的区别是,国画采用散点透视的构图方法,油画采用焦点透视的构图方法,以至于从视觉效果上,让人感觉国画属于平面线条艺术,油画是属于空间立体造型艺术,

当然了,除了透视法不同之外,创作程序也不同,以优秀的作品为标准,国画是“以书法入画”,也就是以书法的笔法进行创作,目的是追求“书画同源”的意境效果,让画面更加气韵生动,突显出物象的“气象”,这才能有写意效果,好比镜花水月的感觉,

“写意”并不是指画作的物象模糊,也不是突显物象的真实面貌,而是指物象的“气势、气象、气韵”特征,所以,要画出一幅真正“写意”的国画作品,画家的书法功底尤其重要,如何提升书法功底,唯有不断练习临摹古代书法家的作品,原因很简单,优秀的国画作品都出自古代书画家笔下,

然而,要创作出优秀的油画作品,素描功底必须要很扎实,因为素描是油画的一切基础,素描不好,油画的焦点透视也直接受影响,整幅画作就也缺乏写实色彩,值得注意的是,油画的写实,并不只是将物象刻画的和现实中的一样,写实是确保画作空间立体造型,以及画作人物情感情绪的真实。总而言之,由于绘画手法上的差异,导致中西方绘画作品所表达的内涵寓意都不一样。

中西绘画是东西方最具代表性的绘画。从绘画中看文化,可以看到东西方文化上的明显差异。东方文化的含蓄中和内敛和西方文化的开放张扬直观在东西方绘画艺术中得到了充分的体现。

有人说,中国画是笔墨线条的艺术,西方画也就是油画是造型色彩的艺术。具体表现在绘画上有着诸多的不同:

首先,绘画创作的工具材料不同。

中国画是以毛笔、水墨、宣纸(俏、帛)等为绘画基本工具材料的。西方油笔是以油画排笔、画刀、易干的植物油、颜料和画用苫布、墙面等作为绘画工具材料的。

二是,绘画的审美理念技法不同。

中国画以笔墨入画,将传统的中国文化融于画中,展现了“书画同源”“画书诗印”一体的文化底蕴和文化情怀,通过“散点透视”在“似与不似”之间凸显一种博大幽远深奥精妙的意境和韵律,所以中国画又被称为“写意”画。西方油画是以科学严谨的造型具象和“焦点透视”使画面凸显立体空间真实的效果,更接近于客观物象的本真面貌,所以西方油画又被称为“写实”画。

三是绘画的表现手法风格不同。

中国画大多比较含蓄,给人以丰富的想象空间。西方油画大多比较直观,给人以直接的“一目了然”的感受。

中西绘画是中西方文化在绘画艺术上的体现,同是人类智慧的结晶。二者各有千秋,各有各的特点和特色,在世界绘画领域都具有重要的地位和影响力。

你好亲,很开心回答你的问题

中西方的绘画作品,无论是绘画技法,创作思想,画面境界来说,都是大相径庭的

西方美术作品包括雕塑,油画,版画,蛋彩画模式,壁画等等

中国美术作品包括中国画,帛画,壁画,墓室砖画等等

现在我们来单独聊一下,中国画,西方油画,其技法上的不同

中国画,西方油画,其透视法不同

中国画,注重散点透视,西方油画,注重焦点透视

散点透视,个人拙见,包含多个透视灭点,不同透视的山川可以组合在一张画面上

如元代画家黄公望的作品《富春山居图》

焦点透视,是文艺复兴早期画家布鲁涅列斯奇发明,所有场景的透视,消失于一个灭点

如拉斐尔的作品《雅典学院》,霍贝玛的作品《林荫道》

西方二十世纪的艺术,绘画流派,深受东方艺术的写意性,日本浮世绘艺术的影响,所以现代艺术的画家,毕加索的作品《亚威农少女》,其中画家画笔下的五个裸女,是多角度,多视点的大胆创新组合,个人拙见,毕加索这幅画,深受中国画散点透视的影响。

中国画,西方油画,其塑造形体的技法不同

个人拙见,绘画思想,创作理念,造就绘画技法的运用

如西方油画,注重写实客观的传统,所以西方油画技法,是运用透视法,科学的解剖学,明暗技法,在画布上塑造真实,客观,可信服的人物造型

其间接画法,是为了表达人物造型的科学性,真实性

中国画,特别是写意风格的山水画,人物画,是提倡作品的精神,气韵,格调,而不是在宣纸上真实再现物象

国画技法,丰富多彩,各种皴法,积墨法,泼墨法

中国画,西方油画,其基本功要求不同

油画的基本功是素描,素描是为油画创作打地基

素描是油画的骨架,支撑油画中的造型,比例,立体的空间

如没有素描基础,油画是一盘散沙

国画基本功,是书法,国画提倡以书入画,许多国画作品中,都蕴含大量书写式的线条,笔墨

但是,书法,不仅仅是国画基础,还是一门独立的艺术

学习油画,不学书法也没关系,书画同源,针对于国画

个人拙见,国画的基础,不仅仅是书法,还有中国传统文化底蕴

回答完毕

我是艺术狂人,从事少儿美术教育,如有美术,美术教育的疑问,欢迎私信

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 王凤年认为,意象手法最能体现中国画崇尚自由的艺术理想,具有最为开阔的自由表现空间,它既不属于具象,也有别于抽象,而介于主观与客观之间、抽象与具象之间,这个“之间”并没有明确的界限,如何把握,正是艺术的奥妙所在。意象是通过形象而又超越形象的表现,它不受时空观念的制约,去自由表现画家的理解和性情,抒发画家的精神。作为视觉艺术的一种表现手法,意象造型是水墨大写意的独特现象,造型原则是弃相求意、以貌取神,强调“神、妙、逸、能”重在神情趣味的表达,而有意回避写实造型的羁绊。

西观荷塘系列(油画)

  意象,属美学范畴,是文艺家构思的意趣和物象的契合,“意象”一词由南北朝时期刘勰所著《文心雕龙·神思》篇提出,之后不仅在绘画,而且在舞蹈、诗歌、戏剧等诸多艺术门类中都有借用,已融入中华民族的血脉之中,霍去病墓的石雕、高颐阙辟邪、唐代虚幻敦煌壁画、民间木雕、泥塑、剪纸等都充盈着很强的“意象”意识,中国画强调的“意境”,在很大程度上就是由“意象”笔墨所引发的。水墨大写意的意象造型,是画家对生活的高度提炼、夸张、概括、取舍而超出自然物象之外的意象之美。大写意作画妙趣天成,水墨运用淋漓率真,意到笔随,一气呵成,若有若无,似又不似,其只可意会不可言传的笔情墨趣充分体现了中国人的审美需求。意象这一既具象又抽象、既传统又现代的观念为解决当代中国画所面临的许多难以解决的问题,为从事现代水墨写意画的开拓提供了无数种可能,为画家提供了广阔的天地,可使传统、现代、个性之间得到最好的结合。

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金莎娱乐,花好月圆叶妙舞 温情传语小蜻蜓 不明不暗蒙蒙影 留得苦心两地思

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 谈到水墨大写意,一个无法回避的概念就是笔墨,笔墨是中国画艺术的基本要素和基本特征,笔墨以其独特的绘画材料和以书入画的特殊技法,成为中国绘画区别于西方绘画的标识性语言。运笔的轻重疾徐,墨色的干湿浓淡无不体现了中国画家的传统功力,笔墨之于水墨写意画,既是造型的语言形式,更是一幅画格调高低和气韵是否生动的重要标志。千百年来,历代画家无不将笔墨作为重要的基本功,唐代张彦远提出,“骨气形似皆本于立意而归乎用笔。”清代画家石涛说:“夫画者,形天地万物者也。舍笔墨其何以形之哉!”现代画家黄宾虹说:“画中之味,舍笔墨无内参语。”可见,中国画有无笔墨,是绘画功力深厚与否的关键所在。笔墨是画家师法自然表现主观意念的手段,说到底是中国画家“外师造化,中得心源”艺术观念的产物。王凤年根据自己对客观世界的感受进行夸张变形和提炼升华从而揭示对象的本质,在此过程中,吸收了书法艺术的技巧,在点线的变化中倾注了画家的情感、气质与学养,使笔墨具有了既状物又抒情的功能。魏晋以来历代画论中多有对书法意味的追求,唐代张彦远指出,“工画者易善书”,郑板桥“以书之关纽人于画,又以画之关纽透人书”,正是他一生追求书画融合的总结。

白云深处有人家(国画)

  对于现代中国画家,笔墨训练,应重在笔墨意识的培养,“书法入画”只能从本质上来要求,强调“书意”和“画意”,并且不仅限于毛笔本身,才有利于发展现代写意画。水墨写意画历经千百年的演变、继承、发展和创造,已经形成了一套完整的程式化艺术语言,并通过笔墨纸等特定媒材的利用而赋予中国画一种特有的审美情调,其笔情墨趣已经成为欣赏中国画内容的重要组成部分。古典画论往往把笔墨说得太玄。然而,当今的中国画又把笔墨弄得过于简单,似乎只要是用毛笔在宣纸上画素描就是中国画,只要是用西画取代中国画就是创新。中国画一百多年的创新实践反复证明,对待笔墨的态度就是对待传统的态度,离传统笔墨太远或太近的尝试,都是不成功的。

  写实与写意之间达到了靓丽平衡

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  张玉馨矢志献身艺术,其自身的艺术天赋、孜孜以求的学习精神和超逾常人的努力为她后来在艺术领域取得一系列成就奠定了扎实深厚的基础。她自幼研习传统书画,青年时期又有幸得到何海霞、梁淑年等当代山水大家的指教与真传,为其拓展艺术视野,向更高的艺术险峰攀登,注入了灵性和活力。进入新世纪后,她赴欧洲深造,留学法国攻读艺术十余年,不仅开拓了视野,而且在与西方的艺术交流与融汇中,厚积薄发,运用新的材料和富有个性的艺术手法创造了自身独特的艺术风格,令人耳目一新。

  中国画的笔墨程式是历代画家们长期实践的结果,充分反映了中国画形式美的独特趣味和民族风格。然而,艺术是时代的产物,时代在变,人们的审美观念也在变,什么样的时代需要什么样的艺术,清代画家石涛说:“笔墨当随时代”。如何将传统笔墨置换成强烈的时代符号,王凤年以为,作为一个现代的中国画家,其思想观察方式应当是开拓型的,以意境创造为中心的中国画,追求的应是人的神采气质的表现,是意象构成的生命运动和对意象神韵的把握。中国传统写意画在观念和形式上与西方现代绘画颇有相通之处,现代水墨大写意,应吸收借鉴西方平面构成的造型观念,从中国笔墨结构的艺术特征出发,注重画面构成这一现代创作方式和造型观念在大写意中的运用,探索大写意的形式构成法则和构成规律。传统文人画过于注重笔墨趣味而忽略了形象塑造和画面结构,这是其走向萎靡缺乏张力的重要原因;而现在的一些写意人物画,以追求对象的比例解剖的准确为能事,把墨色的深浅类同于素描的明暗。殊不知在中国画中,墨色深浅、黑白对比应主要服务于艺术表现的画面构成需要。

  她的作品以中国传统绘画为主,经过在中西文化碰撞下的多年探索,其书画作品自成一派,以油画为主,也有画布上的水墨。在传统书画方面,她“师法自然”,熟谙山水画、花鸟画、人物画。无论是生机盎然的花草,端庄典雅的仕女,生动活泼的童子,还是惟妙惟肖的动物,在她的笔下好似都有了鲜活的生命一般。她的山,风骨外露,大泼大写,大张大阖,澎湃而真实,丘壑山峦,错落有致,气韵生动,犹闻水流飞瀑,令人身临其境。

 

  虽然自幼学习传统书画,但张玉馨一直在寻求改变和创新,坚持不懈,锲而不舍。她说:“中国画已有千年传统,一脉相传,代有才人。作为传人,不应该没有文化自觉和文化自信。留学对我来说是一次‘长征’,外语和文化上的差异,审美观的定位,都给我的学习带来极大的困难。然而这就是代价,我的收获也是与之成正比的。”

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  一个成功的国画家,追求艺术之道的过程,一般都要经历三个阶段:知,爱,悟。在现代水墨方面,她“笔墨当随时代”,在用抽象艺术表现东方意韵时,坚持将对西方抽象以速度热衷回归到中国传统的创新上。她的现代水墨作品,在中国水墨画传统技法中,糅进了西洋油彩的表现元素,同时再辅以当代手法构图,把自己的感情、领悟融入其中,让人能在笔墨之中体悟时代特色、读出时代之声,激扬时代之志,引起精神共鸣。她以巴黎名胜和水珠为题材的水墨作品,曾入选参加巴黎沙龙展,其作品在意境和手法上独到之现代创意,让中外观众在中国水墨画中领略到当代的艺术气息。

 平面构成是构成艺术的一部分,是现代视觉传达艺术的基础理论,体现了现代人的审美观和时代感。在进行水墨作品构图时,通过研究借鉴平面构成中的基本要素及其形式规律,根据黑白灰关系的构成和黑白视觉心理,主动地安排点线面的分散和聚集,可为我们提供更加丰富的思维技巧,开阔视野,发挥创造能力,从而为传统写意画注入新的活力,创出更为宽广的新路。应当说,水墨大写意的画面构成既有平面构成的性质,又不同于平面构成,这是由大写意笔墨形态的审美特质决定的。换句话说,笔墨构成虽可借鉴平面构成的设计原理,但在注意画面形态有秩序的空间分割的同时,应更加注重在“用笔使墨,用意使笔”的过程中画家的性情与气度的发挥,使构成隐含其中,而不能为构成而构成。

  张玉馨的山水在写生与写意之间笔墨与造型完美结合。大山大水的气势有传统笔墨的功底,也有现代艺术的构成因素,雄浑的群山有笔墨的精心表现,也有墨色之间的对比和张力,在整体上更臻于形式的构造和笔墨的纯粹。这仿佛对传统笔墨进行了现代表现的转换。在花鸟画上,更有笔墨的自由,传统的意象和现代的形式浑然一体。抽象化的笔墨关系既是语言的纯化,也是意境的铺陈,一个具体的形象从雅致的趣味中脱颖而出,犹如清水芙蓉,绽放于涟漪之中。

  画面构成,中国画叫做置陈布势,它一方面“本于立意”,为突出主题形象服务,同时又是笔墨结构驰聘的阵地,在立意明确之后,笔墨形态的浓淡干湿、疏密聚散、对称均衡、节奏韵律等等形式因素及物象的相互关系,就要有一个椎轮大略,真正着笔落墨之后,整个画面构成就不可避免地受到特定笔墨结构运动趋向的左右。石涛说,“一画落纸,众画随之”郑板桥说,“笔下之竹,却非胸中之竹也”,潘天寿以“起承转合”四个字来分析画面结构。这既可以从画面结构去理解,也可以从笔墨结构去理解,事实上,画面结构和笔墨结构有着相生相应的内在联系。用平面构成的理念,重新认识中国画置陈布势的内涵,整合笔墨结构,并以笔墨结构的规律特点去观察分析对象。这种观察方法不是着眼于对象的明暗变化、体面结构而是着眼于对象本身的“笔墨结构”,养成以笔墨结构概括对象的习惯,重新扬起意象性语言的笔墨精神,探索新的具有时代气息的水墨大写意。

  鉴赏张玉馨的国画作品《山水》《云烟瀑布》《春谷听泉》《旭日东升》《半江瑟瑟半江红》等,既有传统的笔墨气韵和构图,又融入了现代艺术元素,如水纹的画法和山石的处理,特别是色彩的运用精湛巧妙,没有夸张和喧宾夺主,使作品在保留传统意味的同时又靠近了对象的真实感。

 

  她在作品《水底月看山》中将光引入画面,颇得艺术大师李可染的遗风。《白云深处有人家》雄浑大气而不失细腻,虽融入现代画法,却呈现出古人意境,是一幅极具代表性的山水作品。山水灵动,林木郁秀,云霭飘逸,气度恢宏。从物境到意境,由心境入灵境,画家与山水精神交会,升到很高境界。那种美乃物我交融、物我两忘时产生的美,一幅画就是一种心灵的境界,可徜徉、可栖息、可归依的世界!我以为,张玉馨山水画让观者心灵感应,是在写实与写意之间达到了靓丽平衡。

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  八大山人的意蕴与莫奈的光彩

   水墨大写意的魅力究竟在哪里?她之所以令人怀念,不仅在于笔情墨韵带给人们的愉悦,还在于水墨大写意是以黑与白为主来构成的艺术,有其深刻的哲学内蕴。水墨画与其它绘画门类相比,在形式上最为简单明了,醒目单纯,黑与白将大自然中五彩缤纷的色简至极限,是色彩领域里最有概括力,容量最大的两大色系。黑,庄严、肃穆、深沉、稳重、奥秘无穷,充满神秘与遐想,可使疲于奔命的现代人的精神得到抚慰与平衡。水墨大写意由于水墨的透明性和交融性,使不同浓淡、干湿、轻重、虚实各类笔触所呈现的丰富多彩和魔幻般的可遇不可求的唯一性。笔墨中所蕴含的节奏与韵律体现了与大千世界的同构美,画家随意挥洒中笔墨的冲击和交叠所呈现的偶然效果往往超出一般的实际感受,而给人一种出奇不意的满足。

  西学中用,探索中西艺术的融合,是许多留洋艺术家的创新路径。

  画家所倾注于笔端的主观情愫和意味是无法重复的,它是画家特有的人生经历、性格气度和文化修养的总和。石涛说,“墨非蒙养不灵,笔非生活不神,能受蒙养之灵而不能生活之神,是有墨无笔也。能受生活之神而不受蒙养之灵,是有笔无墨也。”由此可以看出,石涛已将笔墨关系上升到生命哲学的高度,辩证地论述了物质化的笔墨与作为创作主体的画家之间的关系,这就要求画家要有足够的修养和充实的人生,要有心游万仞、神驰千里的丰富想象力、过硬的技术能力和超人的顽强意志,否则,便没有综合、变形、夸张、取舍等创造意象的资格。

  两种艺术元素的融汇使她的作品产生一种新的魅力。

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  张玉馨表示,来到巴黎,一切都显得不同。透过陌生的外表,我渐渐地领略了这座令全世界艺术家无限向往的都城的艺术氛围。这里创作气氛浓厚,形式不拘。一些其他的艺术表达方式如装置、合成图像、录像、音乐、舞蹈等给我带来许多启迪,也开拓了我创作的自由想象空间。在巴黎留学期间,张玉馨埋头学习西方绘画技巧,尤其她以荷花为创作题材的油画,可以看出莫奈作品对其的不小影响。但告别了熟悉笔墨的张玉馨也由此感到迷茫,到底该如何实现中西艺术的真诚对话和贯通融和?她在艺术博物馆中看到赵无极、朱德群等大师的作品,似乎有了一种脱胎换骨的创作冲动。

 只要站在人类文明的高度,真诚地审视我们的传统绘画,研究和掌握传统绘画的规律和丰富的表现技法,用以笔墨为中心的形式语言去超越以造型为中心的形式语言,充分发挥笔墨的审美功能,同时以开放的心态,立足自己民族的沃土之上,兼容并蓄地吸收西方现代理论的优秀精华,以现代的审美意识从本质上把握和体现民族精神,着力探索写意水墨在现代人物表现上的各种可能性,水墨大写意这一体现中华民族优秀文化精神的绘画样式,就会重新展现它的风姿。

  艺术家保罗·克赖说得好:“艺术不复制所可见,而使之成为可见。”正是由于对中国传统文化的日渐领悟和对西方抽象绘画的心领神会,张玉馨在水墨绘画上探索和创作出了个体水墨语言。她将这种水墨境界移植到油画、综合材料的创作上。她摒弃了宣纸等传统媒质,而是用丙烯、油彩、水墨等材料在油画布上肆意挥洒,尽情表达内心的创作灵感和思维火花。她巧妙地运用光影对比、传统水墨的笔意、精心排布的构图、丰富的色彩堆积,使作品更加厚实凝重,并充满东方文化的诗情画意。

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  张玉馨将西方油画材料丙烯与中国画里的水墨融合,生发出全新的艺术语言。她不是重复古人、西人和他人,只是牢牢把握住自己的审美感觉来表现自己对艺术的深刻体悟。对于现代主义绘画来说,形式本身就具有独立的审美价值,从这方面看,张玉馨对水墨这一绘画本体的开拓是难能可贵的。艺术家朱德群曾评价说:“张玉馨绘画所显示的抽象感很独立,水与墨的交融总是不期而遇,又碰撞出许多欣喜。”她的作品没有受西方抽象主义绘画的局限,而是用抽象艺术表现东方意蕴,呈现了中国现代水墨的新境界。

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  从2007年开始,张玉馨着手以荷花为主题进行创作,总冠名《西观荷塘》,从最初的荷花特写到现在的荷塘景色,这是一个非常耐人寻味的探索过程。在这批油画中,荷花不仅是野生野长的植物,它们与富丽堂皇的亭台楼阁为邻,像富家闺秀,沐浴着无数欣赏与关爱的目光。这批画中不一定有人物,但是画中的摆设都衬托着气质优雅的主人在场。荷花与赏花者有着一种互动互赏的神色交流,烘托出盎然向上的生命信息。凭借荷花风韵和出污泥而不染的信念,张玉馨犹若泛舟,驶进一个美丽新天堂,艺术大世界。通过油画,张玉馨把自己对美的追求、感受与观众分享,用艺术把观众引入这个美妙境界与大自然肆意交流,互动自如,传统笔墨气韵和西方色彩构成进行了难忘的“亲密接触”。

艺术家简介:

  我观察到,张玉馨创作的《西观荷塘》系列中有大量水墨丙烯油画,虽以“荷塘”为原型,但从中可以看到八大山人的意蕴和莫奈的光彩,这些作品更是作者的生命意识和主观情感的体现。余润德教授称之为“意象空灵”的理想之境,“疏疏朗朗的线条勾画中意气充盈而又空灵通透。画面笔墨虚实相间、灵动自由、亦真亦幻,融合中西绘画的韵律、节奏、空间、结构、造型、色彩之表达,在行云流水般线条韵律中流淌出超然优雅的中西情韵风度,展示出一种空灵悠荡的生命情怀。”

王凤年,字红雨,国家一级美术师。1962年生,河北省廊坊市人,现居河南省新乡市 。毕业于河南财经政法大学,鲁迅美术学院。现为中国国画家协会理事、中国书法艺术研究院艺术委员会委员、文化部中国文化艺术发展促进会委员及书法家协会、美术家协会会员等。

  书写性转化为表现性所衍生的另一种美

作品多次参加国家文化部、人事部、书协、美协及国际有关艺术团体等举办的国内外大型书画展,并获奖和入展,其作品、传略入编《全国著名书画家精品集》、《中国近代书画作品选集》、《新世纪中国书画名家精品宝典》、《河南省公务员书法展作品集》、《河南省第四,十一,十二届中国画作品集》等数十部典籍,并被《解放军报》、《美术报》、《书法导报》、《中国书画报》、《人民日报》、《人民监督报文化周刊》、《中华艺术家》等报刊选登。

  一纤纤柔情女子,张玉馨的字写得大气磅礴,不让须眉!她的书法形如画作,看似顺手挥来,手随心动,却表现出异样的沉着矜持,其笔下构建的纵横驰骋的汉字的时间与空间、形体与灵魂之美,直给人一种“当惊字字殊”的感觉!

作品先后在中国历史博物馆、中国革命博物馆、中国美术馆以及新加坡、日本、韩国、法国等地展出,并被孙中山纪念馆.、毛主席故居纪念馆、抗日战争纪念馆、徐悲鸿纪念馆、国家文化部、林业部及法国、德国、意大利、匈牙利、加拿大等相关单位及国内外政要及友人收藏。

  中国书法发展历经数千年的历史,在漫长岁月中,我国出现了众多的流派和书家,流传下众多千古不朽的宝贵遗墨。南朝书家王僧虔在《笔意赞》中说:“书之妙道,神采为上,形质次之,兼之者方可绍于古人。”他所强调的是以形写神,形神兼备。张玉馨的书法艺术独特而又具有时代气息。令人惊喜的是,张玉馨还在积极探索中国书法与现代绘画的结合,她将汉字的书写性转化为表现性,在有意无意中流露出一种不事雕琢的意趣。这是非常重要的一个节点,这与她的现代主义绘画是融为一体的。从《鱼戏》《月晓瑶池》《浮香》等书法作品中可以发现,在中西调和的创作上,张玉馨的探索有了新的收获。她的书法作品苍劲挺拔,雄健凝练,笔势变幻,气魄若虹,张弛有道,布局有度,令人释然和陶醉。

  张玉馨特别强调,一幅好的书法作品,首先应从整体上感染欣赏者,如果失去整体美,局部的“美”也将失去意义。要把握整体,就要与作品保持距离,作品整体布局、韵味都会在一定空间距离外闪现出来。有些作品每个字的笔画、结体还不错,甚至有一定功力,而整体凌乱,这就不行。一幅作品就是一个整体,它通过字形的大小、长短、伸缩、开合以至用笔的轻重疾徐、墨色的浓淡枯润变化,在笔势的管束下,组合成一个均衡统一的整体,但又与运笔的节奏、墨韵的变化、笔力和气势、结构和意境等各方面都有着密切联系。做到终篇笔意顾盼、首尾呼应、偃仰起伏、似欹反正、血脉相连、上下承接等等,当然很难,但这正是张玉馨书法所要达到的目标。

  书法是反映生命的艺术,人的喜怒哀乐这些内心情感也能在书法里表现出来,像在诗歌音乐里那样。书法欣赏即通过对优秀书法作品的品评,领略其中蕴含的美。我曾亲眼目睹张玉馨写书法,她用笔讲究风骨,大张大阖,大泼大写,营造出一种磅礴的强大气势。此外,她更讲究的可谓墨法。墨法即用墨技巧,是书法艺术形式中极重要的一环。字本与笔,而成于墨,肉生于墨,血生于水。张玉馨认为,没有墨色变化、配合,用笔效果难以达到。字缺乏血肉,也就没有了生命。所以说,书法字法本于笔成于墨,则墨法尤书艺一大关键也。我观张玉馨的几幅代表性书法作品,最典型的如《翠鸟》《青烟》等,做到了“带燥方润,将浓遂枯”,把握住了用墨的关键。“燥”、“润”、“浓”、“枯”是矛盾的法则。用墨不可太枯,枯笔多了则燥;又不可水分太多,湿度太大会肥浊不清。在她的书法墨色中,写出了使人感到变化极为丰富而又保持住“润”的特点,真正是理想用墨,让人尽享韵律动感、宁静悠然、意境雅致的张氏书法之美。

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