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绘画艺术的“形”与“势”

时间:2018年06月04日来源:《中国艺术报》作者:王文灏

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渔歌(油画) 王文灏

  “形”即绘画中画面的构图、形式,也是对画面形式美感的一种研究与把握,后印象主义画家在构图中加入构成因素,强调色调的统一性、程序性。风景画的创作大约可分为三种:一种是对景写生,也是最传统的一种模式。一种是把风景作为素材,通过速写、照相等手段加以记录,然后回画室进行加工组合,以后期创作为主,这种创作方式强调形式美感,其画面的组织经过深思熟虑,素材通过形式感的表现达到创作美感的目的。俄罗斯、欧洲甚至中国的画家也都采取这种模式,其中中国最著名的代表是吴冠中先生。还有一种模式就是在艺术创作的过程中,更加注重创作者的主观意志,使人看了作品以后能在精神层面感受到创作者的主观动机,给人以功夫在画外的感受。在他们的绘画中,除了形式感外,更重要的是体现创作者本身的绘画修养水平。要达到这种境界,就要对画面中的“形”与“势”进行进一步的探寻了。

  画家通过写生能提高对形的敏感性和把握现实的能力,并且能丰富和深化画家对造型的认识。但写生的观点最初是来自西方,反映的是西方艺术对世界的认识和把握方式。“形”,一般指图形所表现出来的物象外形与结构。在这里的“形”即是画面中的造型元素及构图元素,是艺术家在绘画上所要探寻的具体内容。从古典绘画,到印象派,再到立体派,都在画面“形”的探究上做了自己的努力。当下的风景绘画中,画家们也不单纯把注意力放在对景写生、一味反映客观景物上了,他们对画面形式的要求越来越多,构成因素在画面的出现替代了以往的客观搬摹模式,使画面的形式感更为强烈。对“形”的追求成为构成画面元素的主体,强调那些自己画面需要的元素,弱化甚至删减自己认为构成画面不重要的元素,强调立意,进行艺术加工,对客观景物做集中、取舍、增减,不受客观景物的局限,更艺术性地表现从客观对象获得的美的感受。这些“形”的东西,除了造型及构图元素,甚至还包括画面的色彩元素。为了达到画面色调的协调统一,或者为了追求画面的某一色调感,也可以强化或弱化客观景物的色调变化。

  说到“势”,就是艺术家在绘画上所要探寻的精神面貌问题了。和前面谈到的“形”比较,一个是形而下的具体内容,一个是形而上的精神意识形态。画面中精神的元素实际上所体现的就是艺术家本身对画面所表达内容的感受。而这种感受体现在画面中就是一种“势”的体现。“形”的表现,画家可能会在作画之初,会有一个设计,或者以草稿的形式体现在速写本上,抑或者以构思的形式体现在自己的脑海里。在后面的创作或者写生过程中,画家会朝着自己的设计一步一步向前走,直到达到自己的预想或者满意的状况而止。“势”的表现,在画家设计之初,不能预想,而只能是画家在绘画过程中对景物感受的一种激发式的情感的宣泄。这种情感是不能用草稿的形式或大脑预想的形式所体现的,是画家潜意识和意识的一种结合。这里的潜意识是画家的绘画修养水平的体现,而意识则是建构在画面之上的画家的精神面貌的体现。

  绘画中的“形”与“势”确实是画家所追寻的画面语言,探究二者之间的关系,造就了形式与精神的合二为一,为我们的绘画提出了研究与探寻的目标。如何达到形式与精神的完美结合,这对画家作画时的心境提出了更高的要求。

  画画犹如学拳,同一门下,套路相通,风格迥异,源于“随心”。孟子曰:“尽其心者,知其性也。知其性,则知天矣。”画画也是如此,要用心而积极主动,只有如此才能达到画随其心。以心待景,随心布上,画家的作品只有出自内心的感悟,才更具可读性。可读即窥心,通过作品,可窥画家的内心,说明画家作画之用心。中国画论中强调的“气韵生动”,其审美原则也不是放在绘画的客体对象即具体内容上,而是完全放在主观意识方面即精神意识形态上,精神意识形态则源于“心”。高居翰先生对于17世纪中国绘画中的自然与风格的研究,得出“气势撼人”的结论,可窥心灵与自然的关系。除了古代画论中的对“心”的释义,现代绘画中新的形象语言也对用心提出了要求。现代绘画语言丰富且形式多样,同一绘画元素在不同视角下呈现出多重意义,能够从这些语言中感觉到“心”的可能。当视觉艺术形式语言与绘画作品所要体现的精神相统一时,就会产生更具表现力和感染力的绘画艺术作品。“心境”是画家通过描绘客观景物表达思想感情所构建的艺术境界。画画的心境究其根源,则源于对自然的真实情感与切身感受,只有“随心”,才有“心境”。现代绘画语言逐渐丰富,对“随心”的追求也成为画家画画的目标,通过“随心画语”的表述,既能把画家的精神与思想表现出来,又达到了对“心境”的升华。“心境”体现在画中就是一定要达到主观与客观的统一,画中只有形而无心,其表达就是空洞无力的。

  总之,“形”与“势”的完美结合是画家对形式与精神意识的诠释,也是每一个画家所要追求的用自己的方式来表达的氛围和情感,也是我们当下画家所积极努力探寻的方向。

粉丝们,条友们,你们有什么高见呢?

油画风景写生的色彩,对自然写生,首先要采取定什么色彩,表达什么样的感情,定调是很关键的一个环节。每个人对自然的感受,都有自己的独到见解,所以画家们对同一个景物写生,表现出来的画面也是不相同的,怎样表达景物,怎样用自己的感受,把自然唯美的表现在画面上,进而达到欣赏者和你产生情感共鸣,重点就在于如何运用色彩语言的表达能力。对自然的感悟深浅程度,取决于一个人的意境历练的深浅程度。

当然跟画家的三观有密切的因果关系,让我们来仔细讨论下

以油画风景写生对比国画山水写生可以区别出:

多年来,笔者一直坚持风景写生与创作相结合,在写生中进行创作,受益匪浅。对于一些长期在室外写生的画家来说,只有把写生和创作有机地结合起来才能有所创新。把大自然的一山、一水、一草、一木、一束阳光用来表达自己的情感体会以及独特的艺术语言和风格追求。笔者认为,这是写生的最高境界。如果写生只是按部就班,看到什么画什么,很被动地跟着客观事物的形状和色彩走,不加入自己主观的情感和想象,写生将没有任何意义,而创作就更无从下手。

歌颂建设成就



这就更容易理解,即以山水为背景,画面主体却是人工所为,展现人的伟大创造力或祖国建设成就。


从构图布局上不同。油画严格按照眼里所见,真实客观反映物像,国画则是唯心的,高远、平远、深远构图,一切为了画面气息的需要。

因此,许多油画家对同一个景物写生后,会出现不同的作品,意境是每个人内在思想的体现,加之画家对大自然抒发的情感,表现的技法,也存在着个体差异。油画风景注重光影与色调,调子要定准,用色要准确,避免反复描摹,防止匠气,尽量要一气呵成,始终保持画面的通透感,不浪费时间。因为光线透视,很可能在几分钟内,或几秒钟都会影响色彩透视,打乱你最初的意境,色彩微妙变化,也会使你束手无策。

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狭义解读是这样,广义上既有同又存异,同在什么?艺术同源,任何一幅形式和材料有异的创作都代表着作者本人的思想或立意,至于哪种技术哪种透视只能天生归属哪类画种这是伪学术争议,古人用散点画国画,我们就变不了,变了就不是国面,况且多少年来啃古人的东西太多,真像一个老师教的学生。鉴于此,艺术家们要突破创新,为承载和传承当代人文科技的发展社会时代价值,少闭门造车,用担当精神去突破。一谈及油画就是写实为上,再现自然客观为上,手机当相机那还画什么呢?看数码不就可以了,油画的价值与国画并不冲突,都是时代价值的载体。

比如我们在秋季写生,时间是15∶00点以后,这个时间的自然色彩变化差异是非常大的,而且这个时间的色彩、光线、光影、明暗都是最佳时机。如果我们每个环节都不按写生正确方法操作,这幅作品就会杂乱无章,色彩不明快,画面不生动,所以,进入画家视野的景物最基本的方法之一就是定调问题。

歌颂人



即是以人或人群作为画面主体,山水作为背景来表现特殊场景下的人的精神或人的活动,当然,人的活动在一个具有历史意义的宏大背景中展现,就使得绘画有了历史意义。

你好亲,很开心回答你的问题

只有具备了这样的精神和意志,具备了这样的感受和激情,具备了量的积累,才能真正把写生和创作有机地结合起来,才能把自己的情感和个性语言真正融入到自己的作品中去。第三,把写生当做创作来完成。在写生过程中,不要一味地跟着对象走,在造型上要多变化,大胆取舍;在色彩上主动用主观色彩再现对象,把自己的心理感受表达出来。

营造山水画的意境,不是凭空想出来几个景观,再堆砌一下就搞得定的。

现在兴起的意象油画,中国画的元素,比如散点透视,意境,气韵生动的中国文化意境,融入到油画创作中,所以,油画也可以是主观营造的意境

那么,怎样才能把写生和创作有机地结合起来呢?笔者认为要做到以下几点:第一,必须要有量的积累。要多想、多看、多动手画,熟练掌握油画材料的特性。多去体验大自然,做到能够熟练地把大自然中各种美丽斑斓的颜色搭配出来,把千奇百怪的形状表达出来。要做到这一点,需要我们的勤奋努力和全身心地投入,需要有吃苦耐劳的精神和意志,做到“笔不离手”。第二,还要了解古今中外的大作和与其有关文化的源流,提高自己的见识和审美能力,这是写生的基本要求,更是创作的基本功。

适逢当年美院读书时的山水画老师一幅巨作完成,从他朋友圈下载来与大家分享,且看这大秦岭孕育的气韵,意境磅礴。

可以说,油画写生和国画写生从观察方法、构图布局、绘制过程等等完全不一样。

任何一种创作都离不开生活,油画风景的创作也需要从写生中得到灵感,引发错觉。写生时画自己想画的,表达自己感兴趣的东西,并把这种兴奋运用到创作中是非常必要和有益的。

回答这个问题,首先要搞清楚一个概念。什么是“意境”。

而中国画的传统艺术形式是建立在远古时代东方文明的生活,宗教等领域的艺术,远古时代东方人对美好生活的向往,对宗教信仰的崇拜的情感抒发,远古时代东方人通过点线面的方式在石头,木头,崖壁等等这些载体刻上需要表达的艺术语言形成了中国画最早期的东方绘画艺术。 所以,中国画无论写生或创作都是为了抒发情感而做,中国画讲求似是而非,在似与不似间寻找平衡点,达到最美的意境。

优秀的油画风景作品都有其独特的个性化语言。油画风景中的个性化语言是画家将自己的审美与情感融入到客观自然环境中,并以独特的表现手段呈现出来的视觉形式,它涉及构图、色彩、明暗、笔触、肌理、意境等多种因素。风景油画的个性化语言的形成和完善,则与特定的地域景色、画家的审美观有关。

另一个层面,指的是笔墨的意境,中国山水画的发展,到后来形成了自己的一套语言形式,这一套语言自成体系,他一方面和书法的笔墨有关,一方面也关乎绘画自身的语言。比如线条的苍劲、柔润、厚实、飘逸,墨色的干湿浓淡,等等。以及造型的表达中,笔画的虚实,刚柔、方圆等形式要素的使用,所形成画面笔墨语言的协调关系。所谓气韵生动,也是在这个基础上形成的。所以这里的意境,指的是笔墨语言的协调关系和生动韵致。

从色彩运用方法上不同。油画颜料具有覆盖、堆砌的效果,使用起来丰富而鲜明,国画的色彩透明单纯,一张写生两到三种颜色既可,无覆盖性。

写生本身就带有创作的意味,如吴冠中的油画风景有着中国画的韵味,点、线、面的结合、色彩的轻盈等,无不体现出他对景物的理解,在写生中搬动画具,把一切美好的东西都组织到画面中去,充分体现出他的审美观。贡布里希说过:“绘画是一种活动,所以艺术家的倾向是看到他要画的东西,而不是画他所看到的东西。”我们不可流于外表形式地模仿照搬,应该从提高自身修养入手,在主观内化的前提下才能在创作中流露出来。

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我是艺术狂人,从事少儿美术教育,如有美术,美术教育的疑问,欢迎私信

油画风景创作的提炼,大自然赋予我们美的景物,所以我们要用生命去阅读大自然,并在写生中提炼意境和主题。有时我们会面对一片杂乱无章的山间树林、杂草、乱石等无从下笔,这时,应先确定景物的大体走向,并对其适当地予以归类,有时是形的统一,有时是色的组合,均应根据画面的需求加以分析和把握。

特殊观念所赋予的山水



这样的情况也有很多类型,譬如佛讲经的秃鹫山、譬如皇帝祭天的泰山、譬如达摩渡江的山水、譬如写生的山水、譬如古代文人隐居观念下的桃花源山水等等。


总之,根据画家的世界观、人生观、价值观或者特定的创作主题,来解构典型环境中的典型形象,再加以重构,便可以解决意境的一般构思;当然,要做到出人意表,不同凡响,那就需要画家全方位的文化积淀和修养,到了那个境界,自然不用任何方法,而是无法胜有法来搞定一切。

山水画的意境,是在画中最难达到的程度,可以说是画家将自身心态和对自然的感悟用画表达出来,即是意境。当然意境也可以营造,通过山石,树木,泉水人物等等,以不同形式组合起来,便能产生意境。就像一个客厅,一定是有沙发,电视,茶几,灯光等等,风格不同或相同,按照各自位置摆放,客厅氛围便营造出来了。我建议第一可以多看别人的画,看好画,必要时自己临摹一点,最好也看一下这些作者的生平,从而懂的画家为什么这么去画,就像马远,夏圭,黄公望,倪赞,石涛,张大千,陆俨少,黄宾虹等等,都是有故事的画家,第二是多去自然中切身体会,看自然界的千变万化,如范宽居于终南山中悟道,黄宾虹于青城山悟道一样,只有贴近自然,才能外师造化中得心源。

南朝佛僧画家全才宗炳《画山水叙》开篇首句:圣人含道暎物,贤者澄怀昧象!其实,这篇中国历史上第一篇山水画论文的首句,就已概括了中国山水画的理论宗旨,“澄怀观道,卧以游之”、“以形媚道”畅其神韵,更点明中国山水画不像西方“对景写生”的风景画的创作方式、视觉思维特征和美学归旨!

无论唐代画家张躁说:“外师造化,中得心源!”和石涛:“搜尽奇峰打草稿”,乃至近现代黄宾虹的对景写生(但黄的对景写生有别于西方风景画,尤其康斯太勃尔之前古典主义,但即使印象派也还不是中国古代山水画的创作方法和艺术视觉思维方式),都在既重视客观现象基础上,却更强调“以形媚道”的艺术意象神韵!所以,中国山水画并不是不写实的,而是一种东方式視觉思维特征的概括、提炼“似与不似间”的写实,即以形写神韵!

但凡成就卓著的中国古代山水画家,都是热爱大自然到生活卧游痴迷于现实山水之中,反复观摹“澄怀昧象”到“中得心源”的创作练习的客观与主观交替重复,到胸中自有“成竹”的山山水水,是由客观自然“外化”为心中的意境……

所有这一创作过程,都更好地融入了画家的情感、各方面学养、人格精神,画作的每一笔墨到整体气韵,无不体现了作者的才情格调和艺术境界!

中国现当代山水画家,若要望其古代山水大家项背,心然也要全面达到文化、艺术修养水平……其实并不是没有这种可能,只是这一天赋、环境境遇“太难成就”的现实,只有寄希望于未来几代中華新人身上!

謝謝邀请

意境即画家的心境,古人云"外师造化,中得心源"。即由主观去观察客观,由自我的心境再造自然的一种感受。所以自我的修养和知识、悟性对创作中的意境起着决定性的作用。意境不是做出来的,不是哗众取宠,而是一种感情的“自然流露“。

什么人品、什么修养、什么性格、什么悟性都会形成什么样的意境。高、低、雅、俗各有归宿。从王国维先生论诗(人间词话)的论说中即可悟到。"自古写景即写情"即写心也。

意境不是可以追求出来的,是靠学术,靠努力,靠不断的丰富自己的经历和知识,最重要的还得有"悟性“即所谓“天才",才能反映出来。当然是什么意境,什么层次的意境就要因人而异了。

咋样营造山水画意境?从画家本身入手应该是一个好方法。

比如说有一个好的心境。平常戒骄戒躁,多读点哲学、佛学之类的著作,让自己的心平静下来。比如说注意画画时的内容安排。不需要太过复杂花哨的东西,处理好笔墨里黑白关系,找好风格主题等等都是路子,看自己怎么布局了。

这里我放几张作品,大家可以一起欣赏讨论。

这位画家在画画时就非常注重绘画的心境,用他的话说,现在生活很简单,每天就是作画、诵读经书。在每天作画之前呢,他都会先发愿,愿看画之人能够心神宁静。

那么如此在山水之间,我们看到的便是一位画家禅意的心境,安宁、祥和的一种状态,想必这样对意境的营造也有一些帮助。

中国古代唐宋时期,就奠定着灿烂辉煌的文化艺术绘画之作,山水画艺术巨匠辈出,如李成、荆浩、刘松年、马远、夏圭、王希孟、黄公望、沈周、董其昌等代表性人物。中国山水画是一门深奥的绘画,万物生灵可通过山水画中的场景,分别会有人物、鞍马、牛羊等各类动物鸟禽类出现在画里,也还会分别有桥梁、建筑物、渔船或各类树木植物,彰显大自然的魅力所在,作为山水画的主要意境,通过一系列的取舍和提炼的艺术加工,更为突出中国山水画浓厚的艺术趣味性,山水画品质的优劣,是以艺术感染的穿透力度,扣动观者的心弦,能引入梦幻般冥思在画里的意境当中,就是有艺术灵魂的好画。

着意描写,再现壮丽。

完全不一样,我们举例说明一下:在一幅人物画中,国画表现出来的人物,完全是神态(人物内在要有气韵);油画表现出来的人物,完全是形态(人物外在要逼真)油画写生,主要考虑自然的色、光、点、线、面,写生主要训练用色彩语言表达的能力。

我觉得山水画的意境,应当可以从两个层面来看,一个是内容的层面,也就是说画面所描绘的自然风景的意境。这个里面又有说道,同样的风景每个人所体悟到的审美又是不同的。意境一词,大概在诗歌中最先使用。中国是诗歌的国度,山水画的发展也深受文学诗词的影响。苏东坡在评王维的画时说:味摩诘之画,画中有诗。所以当我们面对一片风景时,用诗词的情感去体悟,才能发觉视觉风景背后的韵致,这才能传达出诸如:萧瑟、旷远、苍茫、秀潤等等意境。

所以油画中也有画家主观的意识营造

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个人拙见,从传统意义上来说,油画一直是客观写实的绘画媒介

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比如画家面临一处风景,不可能照着抄在画布上

谢谢邀请。

画家肯定要去粗取精,主观组织成有规律的构图


虽然国画也可以营造写实的艺术效果,比如南海岩的国画作品

如何画出具有超凡意境的作品?古人早已给出了方法,”读万卷书,行万里路”。还要有名师指路加阅人无数。读万卷书则气质换,行万里路则胸襟阔。历人间万劫,尝百姓疾苦。养浩然正气于胸。其实都是为了提升自身的思想境界,从而画出不一样的意境。

甚至照抄自然风景,模特的构图,色彩,结构

创作中如何营造山水画的“意境”

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那没如何来构思“意境”呢?

油画的写生与国画的写生

作为绘画艺术的国画和油画,在创作前都是要进行写生的,其目的是为了让作品的物象显的形象逼真,而又情感丰富,画作具有画风画骨,国画达到极度“写意”,油画达到极度“写实”的效果,写意是国画的灵魂,写实是油画的灵魂,而这一切都依赖于写生,

由于国画与油画各自的属性不一样,所以写生也就不一样,对同一场景下的同一种事物的写生都是不一样的,何谓写生呢?通俗的说就是对作品现实中的物象的形态及神态特征,进行观察,然而再通过记忆用不同的艺术形式,刻画表现出来,

要注意的是,国画与油画写生时对物象的观察方式、思考方式都是不一样的,为什么这么说呢?原因很简单,因为它们表现出来的结果,完全不一样,我们举例说明一下:在一幅人物画中,国画表现出来的人物,完全是神态(人物内在要有气韵);油画表现出来的人物,完全是形态(人物外在要逼真),

或许有人会说,抽象派油画人物的形象就不逼真啊,其实,这是对抽象派不了解,抽象派油画只是人物的整体效果不逼真,因为它是将每个物象的某个部分“拼凑”而成一个新的整体,那“某个部分”都是逼真的;国画的写生,是不能带有任何情绪,是以大自然为师,完全的模仿搬运;油画的写生,是要带着情感情绪,这是一个“借物喻人”的思考,要用画作反映现实寓意,

谢邀!国画的学习途径主要是通过临摹写生来完成的。古人认为国画写生,要感受自然,体会自然,在写生的过程,要使画面有种“灵动”的感觉。一般的情况,学生通过临摹一段时期后,一些技法基本掌握了,即可以去自然界写生。

油画写生,主要考虑自然的色、光、点、线、面,写生主要训练用色彩语言表达的能力。

国画与油画区别,国画一般是散点透视,不受定点的约束。而油画的构图属焦点透视。

油画写生和国画写生在时间上和空间上工具上有一定的区别。例如,油画静物写生主要是在室内完成,静物画为静止的摆设物体入画。油画静物是西方绘画中一种具有独立审美价值和精神取向的绘画体裁和形式。由于其形态的静止性、光线的固定性和色彩关系可被随意组合的调配,在写生的过程中可以进行反复的观察和研究。国画花鸟画写生则不一样,花鸟画是以动植物为主要描绘对象的中国画传统画科。中国花鸟画集中体现了中国人与作为审美客体的自然生物的审美关系,具有较强的抒情性。花鸟画虽然也写生但大多数是半写半默的状态主要是描绘自然界的生长规律和变化是动态的写生。当然随着学院派的兴起也结合了西画的静物写生原理静止的书写和描绘。花鸟画主要还是通过抒情的方式来表达作者的思想感情。体现出时代的一种精神面貌,间接地反映了社会生活。

再如,油画风景写生和山水画写其特点就更为明显了。油画为焦点透视取景国画为散点透视取景。油画风景是以自然景物为描绘对象,用油画材料进行绘画创作。油画风景中的明暗就是在阳光照射下物体所反射的光线。主要强调空间和体积,明暗对比强可以产生空间感。写实风景油画中吸收了多种材质的运用,画面的效果处理明显优于其他绘画。印象的绘画技巧上对光和色进行了探讨,研究出用外光描写对象的方法,并认识到色彩的变化是由光色造成的,色彩是随着观察位置,受光状态的不同和环境的影响而发生变化,同时把这种科学原理运用到绘画中去。山水画是描写山川自然景色为主体的绘画。山水画,是禀爱自然的精华,天地的秀气,所以阴阳、晦冥、晴雨、寒暑、朝昏、昼夜有无穷的妙趣。表现上讲究经营位置和表达意境。可观可游可赏的境界。画家常常游离于其中写生是自然法则的一种感化道法自然天人合一的审美情趣。

至于人物画油画人物是最能体现出立体感和质感,是西方油画家最钟爱的体裁。由于油画材料的特性粘稠,很适合画立体的人物肖像,所以欧洲历史上的油画名作大多为油画人物。中国的人物油画传统称谓有“传神”或“写真”,它是以现实生活中或历史上客观存在的人物为描绘对象,通过以形写神、迁想妙得等创作方法,着重刻划人物本身特定的外形特征和内在神韵,获得形神兼备的效果。描绘具体人物形象的绘画。它要求画家对人物的容貌、体形、情态、服饰及背景等作真实生动的描绘,表现其精神特征、身份地位、民族属性、时代风尚和反映出画家本人的思想感情。

油画看重写实,强调空间光影体感与色彩变化,表现更多的真实特征。

国画看重写意,强调形体结构与线条笔法处理的神态,构思意境和取舍,和阴暗的墨色变化,完成时可以把感受,用语言书写题款。

油画是西方画种,国画是中国画的一种。油画在于写实,而国画在于写意。两个写生,形同意不同。神奇的大自然包罗万象,山呀,水呀,花草树木,无不吸引一个画家。写生是每一画家的必经之路,但油家取其自然界的真实性,而国画写生不但如此,还在于巧取理解大自然的神奇存在,国画讲求意境,写意而为。

(插图,自作画)

油画写生要求和原物俱像。国画写生要求散点透视,将美好的组成一幅画,主要看意境使人心旷神怡美临其境。

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对于油画写生,特别是构图,也是画家主观意识的体现

意象的山水



即画家通过大量的观察或写生,抓住真实山水中一些感动自己的元素,进行有机的组合形成意象,然后进行再创作的画面。这类绘画不求写实,只求写意;不追求自然界逻辑,只追求主观的心灵逻辑。因此用笔用墨用色也非常主观,装饰性极强。


作为绘画艺术的国画和油画,在创作前都是要进行写生的,其目的是为了让作品的物象显的形象逼真,而又情感丰富,画作具有画风画骨,国画达到极度“写意”,油画达到极度“写实”的效果,写意是国画的灵魂,写实是油画的灵魂,而这一切都依赖于写生,国画与油画写生时对物象的观察方式、思考方式都是不一样的,为什么这么说呢?原因很简单,因为它们表现出来的结果,

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一切以自我情感抒发为绘画标准,讲究意境。简单阐述了解中国画的由来之后我们切入主题,中国画的写生就必然不会依景而做,而是抓住写生对象的主要特征,在表现物象特征的基础上,尽情发挥内心感受,在写生的时候会乾坤大挪移,取其精华,按心中最美的画面去完成创作过程,作品既能表现物象特征又能给人以美好生活的期待与向往。

孟南937承传民族文化 2019-09-04 08:53

国画,自古以来,提倡外师造化,中得心源

歌颂大好河山



既然是歌颂祖国的大好河山,首先就要写实,其次要真山真水;当然,在表现山水的用笔、用墨、用色,以及构图、题款的抒情等诸多方面,画家既可以有强烈的个人风格,也可以选取不同季节、不同角度来烘托主题。

以下第一幅作品是我三月份在西塘古镇的写生作品,请各位读者老师多多指教。 多谢关注和分享。

山水画的流派很多,所以就产生了各个流派的意境,但大体上分为两派,既南派和北派。以王维,李思训为两派的祖师。南派山水大部分表现南方的小桥流水人家,江南的烟雨朦胧,水汽很大的一种画法。以荊,关荐,巨,米家父子以至元四家为南派正宗。北派山水大部分表现高山巨石,看到山就扎手的一种画法。以宋代赵伯购,李唐,刘松年,马远,夏圭为北宗一派。将南宗归入文人画派,是画家正统。将北宗划入行家画派,这套理论一直影响到清末。在画山石的画法上也有区别。南派大部分画皴法为披麻,解索,雨点等较软的皴法。北宗多以斧劈,折带,乱柴等皴法。画的树两派也各有不同,如南派大部分画柳,杨等枝叶浓密的树。北派大多画松,柏等针叶的树。个人还是比较喜欢南派山水那种令人心驰神往的江南意境。

但是,千万不能一概而论,油画写生,就是客观写实地模仿自然,全盘照搬自然


国画写生,不是油画那般客观写实,国画把自然山水,人物,花鸟,化成笔墨的趣味,经过画家的主观情感,对客观物象的主观重组,创作气韵生动的国画,国画并不是单纯照搬照抄自然的

问:在创作中如何营造山水画的“意境”?

比如画家莫奈的《日出·印象》,其粗犷激情的笔触,都是画家莫奈主观意识意识营造的艺术效果

百度了一下“意境”的含义,竟然没有一个标准的释义。个人觉得”意境”首先是思想。就是一个人的世界观,是艺术修养,胸襟格局,审美情趣,人生阅历的综合体。山水画家只不过用自己的画笔,通过一定的技法对具体形象的描绘,把这种思想呈现在了观众面前。所以有种说法、功夫在画外。

那就是色彩的不同

国画创作是重视意象,意境,笔墨

油画与中国画无论写生,创作区别都很大。首先绘画原材料的区别众所周知,在此就不必说明了,我们针对主题来谈谈油画写生与创作,油画艺术是属于西方绘画艺术的其中一种,西方绘画艺术是建立在建筑艺术的基础上而衍生的艺术形式,固西方的传统艺术讲求科学,对造型,色彩,透视,光影,结构比例等等要求比较高,注重对景还原,这就定义了油画写生艺术的写实形式。所以,油画写生越像越好。

国画的艺术特性是稀薄,所以不宜层层覆盖

回答完毕

但是个人拙见,虽然说油画创作核心是写实客观再现物象

油画与中国画无论写生,创作区别都很大。首先绘画原材料的区别众所周知,在此就不必说明了,我们针对主题来谈谈油画写生与创作,油画艺术是属于西方绘画艺术的其中一种,西方绘画艺术是建立在建筑艺术的基础上而衍生的艺术形式,固西方的传统艺术讲求科学,对造型,色彩,透视,光影,结构比例等等要求比较高,注重对景还原,这就定义了油画写生艺术的写实形式。所以,油画写生越像越好。

从观察景物的视觉方法不同。油画以焦点透视观察眼里的景物,国画却以散点透视观察所见到的景物。焦点透视近大远小,遵循自然规律,散点透视根据画面需要近可小远可大,遵从个人主观理念。

国画与油画区别,国画一般是散点透视,不受定点的约束。而油画的构图属焦点透视。

中国画源于生活而高于生活是东方艺术的典型特征。

油画,由于油画的灵魂是色彩,所以油画可以表现丰富多彩的缤纷色彩

但是国画的稀薄特性,确实不太容易达到油画般写实客观的艺术效果

比如油画的空间是利用焦点透视,再现三维立体的真实空间

其实不然

艺术、艺术、艺术,只要有关绘画艺术的话题,人们十之八九都会将国画与油画联系在一起,因为这两者的关系太“亲密”了,油画的素描,国画的素描,即便如此,油画和国画两者之间,不同之处还是更多,例如:油画的写生与国画的写生有哪些区别?

1 国画,自古以来提倡素雅,淡雅的境界,所以不提倡用五彩缤纷的浓艳色彩,不然格调高雅的国画容易落入低俗,艳俗的氛围

油画的写生,国画的写生的区别

而国画中的山水,是散点透视,为了营造画面咫尺千里的博大气势,可以把不在同一焦点,不同立足点的山水,重组在一幅画面上,所以国画写生是画家的主观意识营造的意境

如果是国画,油画写生的区别

谢谢邀请。作为一个从事国画多年的艺术工作者,我曾经画过油画,现在一直画国画,我认为油画写生和国画写生完全不一样,

国画就算着色,也只用简单的几种淡雅的色调营造意境

国画中的笔墨,构图,笔墨,运笔,意境,色彩都是画家借助风景,表达自己的主观意识,主观情感才华的写生

2油画艺术特性是厚重,可以层层覆盖,营造厚重,真实的艺术效果

无论是静物,人物,风景油画写生,传统意义上说是客观写实,在画布上再现一个写实的人物,再现三维空间的风景,三维空间的写实静物,塑造油画典雅的色彩气氛

比如营造S形构图,风景中影响S形构图的场景画家一定会在画面上去掉

中国画的最高境界追求的一定不会是照景还原,而是融入了道家,儒家,佛家以及禅宗,哲学等美学思想而写意创作。

问:油画的写生与国画的写生有哪些区别?

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